El Invierno

Giuseppe Arcimboldo

Sobre Giuseppe Arcimboldo. De secretos y revelaciones

Con sus obras no es posible sino adentrarse a un viaje desconocido, así como los libros de Julio Verne (1828 – 1905), y aunque sean de diferentes instancias del tiempo, Arcimboldo en el arte es lo inesperado, alguien que en su momento trasvaso los limites de la creatividad, inenarrable, genio, y desquiciado, se codeo con los monarcas de igual a igual y de ser un simple pintor aventuraba asesorarlos en disímiles empresas, pero nada de lo que pudiera escribirse sobre el mismo puede de alguna manera representar su trabajo como artista, increíble en todo sentido al punto de que pasados cientos de años sigue causando la misma fascinación como la primera vez.
Giuseppe Arcimboldo nació en Milán (Italia) en 1527, era hijo de un pintor de catedrales, lo cual no es poco, ya que creció imbuido de ese espíritu transformador y avasallante. A los 22 años comenzó a recibir encargos, en primera instancia diseños de vidrieras, y después murales en disímiles catedrales, como por ejemplo los Frescos de la Catedral de Monza, (Italia) dedicada a San Juan Bautista. Mas adelante trabajara para los poderosos Habsburgo en Praga por muchos años, dedicándose a los retratos, a la vez que dirigía las suntuosas ambientaciones, la decoración permanente de los palacios del Monarca Maximiliano II y era tanto su talento que diseñaba también la majestuosa vestimenta de los miembros de la corte. Era un hombre de temperamento, de gran energía, incansable no soportaba que las cosas tuvieran siquiera el mínimo defecto, a lo cual reaccionaba con desagrado, perfeccionista al extremo tal que dormía apenas dos o tres horas al día, cuando tenia que cumplir con los encargos y sus colaboradores no le respondían como el precisaba. En Praga se convirtió en el artista oficial de la corte de Rodolfo II, el emperador estaba fascinado con su capacidad creativa al punto tal que lo creía el nuevo Leonardo, de su corte, porque su inteligencia se escapaba de lo convencional, ya que no solo pintaba a la perfección, sino que osaba inventar aparatos musicales increíbles, y maquinas hidráulicas que fueron capaces de revolucionar su tiempo.
Lector voraz Arcimboldo tenía la facultad de rehacer y deshacer sobre una teoría científica, otro postulado, como si fuera un visionario que anhelaba crear su obra maestra. Sin embargo pasara a la historia del arte universal por sus trabajos pictóricos que no tenían nada del otro mundo, salvo la singularidad, y la agudeza, naturalezas muertas en realidad, que formaban figuras, conjunciones de símbolos, y extrañezas que en su momento no fueron interpretadas, pero que causaron una prolongada discusión acerca de su peculiar manera de expresar su arte.
Arcimboldo en realidad se adelanta al manifiesto surrealista de André Breton (1896 – 1966) cientos de años, lo cual derivaría en decenas de trabajos de investigadores y críticos de arte buscando la respuesta a esos rostros humanos, plasmados con verduras, y flores, raices, y hasta peces, y alimañas, al parecer frescas, unas y otras rebosantes de color y de vida. Su serie realizada hacia 1573 denominada Primavera, Verano, Otoño, Invierno poseen una fuerza que pervive, en estas fluye algo desconocido, son perfiles de seres que han sido tomados en sus rasgos por los hechizos de la naturaleza, (el ciclo de las estaciones) que terminan siendo especies de mascaras que dejan entrever algo escalofriante, que se materializa, en una especie de carnaval que apresa otra metáfora del hombre. Si analizamos la obra que le dedica al emperador ya en decadencia Rodolfo II, aparece ante nuestro análisis alguien que enfrenta su mirada desde unos ojos que no son tales, vacíos y fríos, pero donde promedia la soberbia, hay algo en esa obra que desafía al espectador, que le esta diciendo – aquí estoy, aunque lleve cubierto mi semblante, este soy yo, si es que no quieres reconocerme, soy el dueño de tu vida, el amo del mundo- hay que contextualizar siempre para entender la psicología de un artista, saber lo que siente, lo que sufre, lo que vive, depende de la investigación de la época donde desarrolla su trabajo, y a todos los que nos desvela la historia sabemos de la impiedad de los monarcas, de la ironía, y de lo desgastante que ha sido para sus súbditos inmediatos responder a sus demandas, que lo hacían por lógica, desde la admiración pero sobre todo desde el temor.
Otra de las series de Arcimboldo son las realizadas hacia 1566 que llevan el nombre de los cuatro elementos y que son verdaderas obras sin comparación alguna. No olvidemos aquí que será Salvador Dalí (1904 – 1989) el gran artista surrealista, quien tras la exhaustiva investigación de las obras de Arcimboldo descubrirá asombrado que reproducen una sucesión de imágenes, afirmando con esto de que Arcimboldo no era un desquiciado como algunos críticos pretendían denominarlo, en este existía una técnica inigualable, y un engranaje de conocimientos que tenían sus coordenadas delimitadas y perfectamente estructuradas.
Tras la caída de Rodolfo II, su protector y mecenas y tras ser saqueada su residencia, las obras de Arcimboldo caerán en manos desconocidas, muchas de estas nunca volverán a recuperarse, sin embargo algunas de sus obras fueron salvadas para la posteridad, y se encuentran en algunos de los museos mas importantes del mundo como el Louvre en Paris, o en la famosa Galeria Uffizi en Florencia, Italia o en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, (Cádiz) en España.
Arcimboldo es algo mas que un artista de esos que no alcanzaría la vida para comprenderlos, para ahondar en su legado, que sobrepasa cualquier tipo de hipótesis, ¿Cómo fue que un plebeyo, un hombre cuyo único valor era su osadía, culminaría siendo consejero del emperador? en tiempos inhumanos y del todo siniestros, y cuya influencia en el destino de una corte, habla a las claras de su espíritu libre, que dejo los testimonios menos imaginados de un mundo de riqueza y poder que no podía sin embargo a diferencia de los tiempos actuales, subsistir sin gloria. Arcimboldo se ocupo de darle vida a la extravagancia, que rodeaba su existencia, entre miradas que se ocultaban bajo de deslumbrantes colores, pero que escondían el drama de la mayoría de los poderosos de todos los tiempos, lo que debe venderle al mundo y lo que en realidad son, el rostro de la felicidad y de la opulencia, detrás, demarcada van las líneas de la soledad y la tragedia…
Arcimboldo murió en Ibidem un 11 de julio de 1593, sin nada de aquello (la belleza extraordinaria de permanecer al lado del emperador y sus favores) que había alimentado su arte descomunal, en una habitación sin mayores lujos, aquel hombre que después el mundo se atrevería a juzgar como un insano, se iría sin responder sus secretos que sobrevuelan en sus obras, y que todavía abruman a los estudiosos de su destino que sueñan con sus revelaciones…

Jackson Pollock

Jackson Pollock. Una danza loca de colores

Su vida un tanto atormentada fue inspiración para hacer cine, un film que retrata casi a la perfección sus obsesiones y su legado. Que no se ha dicho o escrito sobre este artista que fue un desquiciado o un genio, pero que nunca se quedo en la indiferencia del público.
Claro que Jackson Pollock el más destacado artista del expresionismo abstracto es un personaje que no puede resumirse en unas pocas líneas.
Nació en Cody, Wyomming en 1912, estudio en el Instituto de Lenguajes Artísticos de Nueva York, allí tendrá por maestro nada menos que a Hart Benton (1889-1975) uno de los grandes artistas norteamericanos creador de las mas celebradas escenas rurales y costumbristas.
Mas tarde Pollock viajara por diferentes lugares de su país, tomando en agenda sus dibujos que salían de la inspiración de cada lugar, por cierto que hasta esta instancia Pollock seguía influenciado por su maestro así lo datan sus primeros trabajos que poseen un marcado estilo naturalista-realista de sucesos de la vida cotidiana de la ciudad. Hacia 1943 siente una atracción por el surrealismo y se vuelca a un estilo mas libre, y descontracturado, empieza a jugar con las formas, a dejarse llevar, arrastrar por una fuerza según lo confesaría el mismo, que no podía detener.
Es en 1947 cuando introduce en sus trabajos de grandes formatos el Dripping (goteo) técnica que consiste en salpicar el papel o la tela de forma semiautomática, remolinos, chorros, puntos, pinceladas y graffiti todo eso y mas, trabajo metiéndose en la obra, ocupándola, sitiándola, haciéndola suya como un territorio al cual solo él podía entrar y salir. Aclaremos que hasta la llegada de Pollock a la escena del arte internacional Estados Unidos iba perdiendo la batalla y gracias al artista del Action Paiting recupero su lugar en el gran mercado del arte mundial. Hablamos de la década del 50 cuando Pollock tiro los caballetes al diablo y decidió pintar con la tela o el papel en el piso librado de las mordazas de las influencias le dijo al mundo que no había arte sin libertad.
Mientras tanto el alcohol y su personalidad con un marcado tinte bipolar comenzaba a desandar un tiempo irrepetible. Sus críticos aseguran que nadie después de Pollock pudo crear ese universo fantástico, con tanta extraordinaria cantidad de formas y si los hubo solo fueron imitadores del artista. Era un virtuoso, construía y reconstruía los laberintos más esquivos de su mente. Se dice que más que pintar, coqueteaba, bailaba, con delicadeza, rápido, en otras con cierta cadencia que desesperaba, zigzagueante, y brutal como hechizado agachado arrojando largos hilos de pintura sobre el abismo blanco de la tela.
Posiblemente con Pollock el arte moderno alcanza su cima, entendiendo que en su trabajo no existe introspección sino un escaso reflejo de las ideas, de las represiones inconscientes, que se hacen presentes casi sin un sentido a más de su presencia que toman al espectador por asalto.
Casado con Lee Krasner en 1945 el artista logra evadir su gran debilidad por el alcohol y el pesimismo que lo embargaba. No obstante en un cruento otoño de 1950 volverá a beber y por ende a sus crisis que lo iran desbastando poco a poco.
Su único miedo era que el publico, la gente no pudiera comprender su decisión en cuanto al arte, que sus obras terminasen como un conjunto decorativo, eso lo desesperaba, porque en verdad había realizado una revolución, apenas sabia que había desbordado todos los conceptos habidos hasta entonces, a la vez que no podía con la realidad.
Obsesivo, intolerante, autodestructivo, Pollock fue nada más que el filtro de las presiones de una sociedad que se auto justificaba, los errores a la vez que todo se le escapaba de las manos.
La obra de Pollock, y no sus tantos imitadores, nos obliga a pensar en esa extraña simbología, en esas partes de palabras sueltas que se quedaban apretadas detrás de las texturas, como si fueran pesadas rejas, en ruinas. Sus obras son como un reflejo de una arritmia, de un corazón desarticulado que salta en el vació, Pollock no fue un genio del arte, sino un hombre con todas las luces cegadas por la monstruosidad de la urbe, que lo arrumba a vivir en el desvelo y la ansiedad como sometido por una enfermedad incurable del alma.
Murió a sus 44 años en un accidente de auto en Long Island, después de una de sus acostumbradas borracheras, desde entonces los ojos del mundo no han podido olvidar al hombre que creo un universo paralelo de mensajes que solo se entienden desde el juego lúdico, desde los laberintos de la inconciencia, donde los pensamientos son líneas que resplandecen en una danza indescifrable de colores que se disuelven y reaparecen y se mudan y regresan, pero como todo genio no bastaría una vida para describir su obra que cambio radilcamente la historia del arte de un soplido.

Una de las excentricas esculturas de Richard Serra, uno de los grandes escultores que ha dado EE.UU. dos planchas de acero de 160 toneladas, ubicadas verticalmente de forma perfecta,colocadas en un campus de La Universidad de San Francisco, los espectadores mientras tanto completan y le dan vida a sus colosales creaciones

Sobre Richard Serra. Solo un Juego de Palabras…

Sus esculturas no han dejado de impresionar al mundo ya por décadas, quizá a esta altura nadie puede negar su predominio en el mundo del arte internacional.
Richard Serra nació en San francisco, California en 1939, estudio primeramente literatura y mas tarde hacia los años 60, cursara la carrera de arte en la celebre Universidad de Yale. Sus primeros trabajos artísticos tenían que ver con lo meramente abstracto, arrojaba plomo fundido a cualquier superficie donde convocaba a su exposición. Lo que se conoce como Process Art o Arte en Proceso es decir una manifestación artística que se sucede como una performance, buscando más que el objeto final, la manera en que acontece ese hecho creativo. Más tarde se dará a conocer con sus grandes construcciones minimalistas, esto es un arte despojado de cualquier contexto y que refiere a lo esencial de la misma. Termino que fue utilizado por Richard Wollheim en 1965 para llamar de alguna manera a obras de un alto contenido intelectual, pero que en lo formal no deparaban una gran presencia.
Así sus inmensos rodillos y sus grandes hojas de acero ganaran espacio, que a principios de los años 80 posisionaran al artista en el mas que difícil y competitivo mercado del arte estadounidense, en todo esta década Serra, ubicara sus esculturas en paseos públicos de diferentes ciudades y poco a poco lograra que el publico no menos critico comience a pensar en sus trabajos. Es recordado su famoso Muro de Acero de 3 Mts. y medio que ubicara en el parque Federal de Nueva York y por el cual se crearía una vorágine de desencuentros entre los ciudadanos, de que esa obra fuera removida de allí, mientras otros opinaban que debía respetarse el hecho de que el escultor y el gobierno de la comuna hubieran elegido ese lugar para instalarlo. Debate que será resuelto tras casi una década y bajo una firme sentencia, de que la escultura debía ser removida, a lo cual el escultor aseguro que de ser quitada de allí ya no tenia razón de existir ese objeto. Otra de las famosas esculturas de Serra es la que esta ubica en la sala de más grande dimensión del Museo Guggenheim de Bilbao, Snake o Serpientes, que son tres hojas de acero, dando la sensación de un movimiento ondulante. Sin contar que también en el famoso Museo Reina Sofía también de España se exhibe a partir de 2009 en exposición permanente una de sus mas inmensas esculturas con un peso total de 36 toneladas llamada Equal – Parallel - Guernica – Bengasi.
Desde los años sesenta el artista a intentado escaparse de los conceptos culturales que han rodeado desde siempre su trabajo, buscando imprimir movimiento a los paneles acericos, dar vida a otras formas jamás imaginadas y hacer que el publico se conmueva a través del juego de escalas de cada uno de su trabajos, comenzó por cierto con obras que apenas podían contener las salas de las galerías o museos hasta que por su tamaño descomunal ganaron la calle y por ende la popularidad. Algunos críticos de arte lo enlazan directamente al Land Art, el arte que puede modificar un paisaje natural, y de hecho quizá este concepto no este errado del todo, Serra puede modificar sin dudas cualquier mirada que se tenga, pero dentro de una urbe, correr la identidad cultural de determinado escenario al aire libre y en ello modificar el pensamiento de quienes lo habitan.
Polémico, como pocos, en cada una de su declaraciones el artista ha dejado en claro que su arte no es para cualquiera, su arte asegura, establece una larga serie de prejuicios a desterrar y después quizá se pueda entrar en un debate, pero quizá lo mas controvertible que se atrevió a aseverar en una entrevista y por el cual seria denostado por la critica y los periodistas especializados, es de que su arte no es democrático, ni agradable, ni causa disfrute alguno, ni tampoco es del pueblo.
En 2005 llevaría adelante un gran proyecto escultórico que seria situado en el Campus de La Universidad de San Francisco, dos elevadas planchas de acero, con un peso total de más de 160 toneladas, equilibradas perfectamente. Lejos de provocar rechazo la instalación de la misma, causo una gran fascinación en amantes del arte de todo el mundo, que no pueden concebir la sensación visual que producen a la vez que meterse, caminar entre, las mismas, es decir tocarlas, y ser partes de esa sensación de algo que es único en el mundo entero. Serra es un critico mordaz del gobierno estadounidense y sobre todo de sus política exterior, cuando fue invitado especial a La Bienal de 2006 de su país, todos esperaban una de sus ya famosas esculturas, y él solo presento un boceto realizado con crayón, llamada Abu Ghraib, nombre de la prisión donde después de la invasión norteamericana a Irak es utilizada para detener y torturar a los opositores al nuevo régimen impuesto.
Aunque Richard Serra afirma que el arte no es para el pueblo, solo un muy buen juego de palabras puede crear un efecto contrario en el publico, su trabajo en realidad, su arte escalofriante y desmedido es disfrutado solo por la gente, aunque la pregunta de siempre del artista ha sido la misma, ¿De quien es el arte? ¿Del pueblo? ¿De los políticos? ¿Del artista?
Ha recibido una larga serie de distinciones a través de los años desde La Legión de Honor de Las Artes y Las Ciencias que otorga el pueblo francés a los mas grandes artistas del planeta, hasta el Príncipe de Asturias 2010 otorgado por los Reyes de España. Quizá no sea fácil entender el arte de Richard Serra, pero si entendemos la pasión de un artista por lo que hace será, mucho mas fácil, comprender cada una de sus creaciones, ese simple concepto es aplicable para saber porque hoy por hoy es el escultor vivo mas importante del mundo.

La Columna Rota (1944)

Frida Kahlo

Sobre Frida Kahlo. Como un libro abierto…

Su vida no fue mas que una larga serie de postraciones, desde que contrajera poliomielitis, a sus tres años, que tras superarla le dejaría las secuelas mas terribles para una mujer, ya que estéticamente luciría de por vida una pierna mas delgada, cosa por cierto que siempre había ocultado. En 1922 ingresara a la Preparatoria Nacional de La Capital, escuela que no recibía sino solo alumnos varones y que tras una modificatoria de sus disposiciones internas comenzaría a albergar tanto profesores, como alumnos de ambos sexos. Allí aprenderá algunas técnicas de dibujo y por este mismo tiempo conocerá al ya reconocido pintor muralista Diego Rivera (1886 – 1957). Ella desde muy pequeña poseía una rebeldía natural contra todo lo establecido, por disímiles razones, no creía en las pantallas sociales y veía detrás de lo meramente burgués que ese era solo un juego, un espejismo del cual no quería ser parte.
Se inscribirá hacia mediados de 1925 a las clases de Grabado que dictaba el artista español Fernando Fernández, pero en setiembre de ese año, sufrirá un terrible accidente que la dejara al borde de la muerte, con la columna y la pelvis fracturada y una agarradera de metal le atravesaría el estomago hasta la pelvis. Soportara poco mas de 30 operaciones y luego el uso de corsés para guiar las posible alteraciones óseas que pudieran surgir. Fue entonces tras meses de estar convaleciente en su cama, que comenzara a dibujar y a pintar, tantas eran sus ganas de hacerlo que eso le produce un estado superador en cuanto a su animo e increíblemente y ante la perplejidad de los médicos que no daban crédito de que pudiera mejorar, solo en algunos aspectos Frida se esforzó por volver a caminar y así lo hizo luego de prácticamente varios años. Ahí es cuando se introducirá a los círculos del arte mexicanos y hará amistad con algunos artistas de carácter socialistas. Comenzara o continuara un romance apasionado con Diego Rivera con el que contraerá matrimonio el 21 de agosto de 1929. Muchos de los críticos afirman que Frida y Diego solo estaban juntos por una cuestión artística, ella había aprendido casi todo lo que sabia de arte gracias a él, desde adoptar para sus obras un estilo digamos casi ingenuo, con colores chillones, dejando aletargados espacios entre las figuras y el ritmo atemporal de sus escenas, fue Rivera que le dijo que tenia que hacer hincapié en la afirmación de las tradiciones mexicanas, que vistiera a la usanza de su pueblo y que no retocara sus cejas pobladas, al contrario que estuviese orgullosa de lucirlas, porque eso la hacia autentica. Diego amaba su pintura, y no dudaba en decírselo era su admirador numero uno, mientras que ella, no le respondía de igual forma, criticaba hasta el insulto sus obras y no soportaba ser siempre su sombra como artista, odiaba el éxito de su esposo. En poco tiempo surgiría entre ambos una relación de amor y odio como pocas veces vista, donde no estaban exentos, las borracheras, los escándalos públicos y las traiciones que los hicieron mas celebres de lo que ni ellos mismos imaginaban.
Hacia los años 30 Diego Rivera se trasladaría a los Estados Unidos contratado para realizar diversos trabajos muralistas por grandes empresarios y coleccionistas de arte en Nueva York y otras ciudades, pero este hecho no detendrá, tanto las peleas del famoso matrimonio de artistas, ni las que el muralista mantendrá con sus empleadores, es muy conocido el desplante que le realizara en medio de la ejecución de uno de su murales a el dueño de la mas importante compañía petrolera del planeta y uno de los hombres mas poderosos del mundo de los negocios americanos, por aquel entonces Rockefeller que le había sugerido modificaciones en su trabajo.
Lejos de perjudicarle la carrera a Rivera aquello lo convirtió en una celebridad internacional.
El 9 de enero de 1937 gracias a la amistad de Diego Rivera y el presidente mexicano Lázaro Cárdenas, le concederá el asilo político a Lev Dadídovich Bronstein conocido en el mundo como León Trotski (1879 – 1940) el revolucionario y político ruso, que fue clave para lograr el golpe de estado de 1917 en la cual los Bolcheviques, encabezados por Lenin tomarían el poder en la hasta ese entonces Rusia de los zares. Creador del temible ejercito rojo, mas tarde se convertiría en opositor de Stalin el sucesor de Lenin y erigiría una organización internacional de extrema izquierda en la cual proponía una revolución permanente, en cualquier lugar del mundo donde el proletariado se viera amenazado. Elegirá la casa de los Rivera en Coyoacán para vivir su exilio de Rusia. Fueron dos años que junto a su esposa Natalia Sedova, Trotski se dedicaría a sentar la bases mediante sus escritos de su plan revolucionario, no tardarán en surgir rumores de la relaciones entre Frida y el revolucionario que había comenzado precisamente el día en que ella lo recibiera en el puerto de Tampico. En 1939 Trotski dejaría La Casa Azul y se mudaría allí mismo a la calle Viena en Coyoacán. Hubo allí un atentado encabezado por miembros del partido mexicano de Stalin, allí otro artista muralista David Alfaro Siqueiros, comandaba la operación junto a otros 20 criminales y como él mismo confesaría mas tarde había disparado mas de 40 proyectiles en el lugar donde dormía Trotski; esto fue previo al fatídico 20 de agosto de 1940 donde seria asesinado, por Ramón Mercader un Catalán que había ganadose junto a su madre la amistad del revolucionario. Todo lo que hubo de pasar según las investigaciones posteriores, daba como resultado una pista que implicada también a Frida por espionaje para atentar contra la vida de Trotski por lo cual seria detenida y liberada de culpa y cargo, tiempo después.
Es por esta época, ya divorciada de Diego Rivera que las Muestras de Frida comienzan a dejar su huella mas profunda, su amigo el creador del movimiento surrealista André Breton (1896 – 1966) le abrirá las puertas de Europa pero errara en sus conceptos acerca de la obra de la artista, ya que Frida no pinta sueños, sino su realidad, ella misma se encargara de afirmarlo, sus obras expresan netamente sus estados emocionales, sus dolorosos trances llevados como una pesada carga durante toda su vida, el hecho de no poder tener hijos debido a su grave accidente y los punzantes padecimientos y secuelas que no le abandonan.
Pero su sinceridad exacerbada y su personalidad frontal, la convierten en un personaje, al fin Frida se había metido al mundo en el bolsillo. En los años 40 será docente en la Escuela Esmeralda en el DF. Es 1953 que tras saber de sus problemas de salud la Galería de Arte Contemporáneo, la mas importante de la ciudad, organizara una de las mas recordadas Muestras de la gran artista mexicana, donde llegara en una ambulancia porque ya no podía estar de pie y tras colocarla en su cama de hospital en el centro de la galería, ella recibirá ahí mismo los saludos del publico con el mejor de los ánimos.
En el año siguiente solo fueron malas noticias acerca de su salud, que desmejoraba irremediablemente, tras serle amputada parte de una pierna, sufrirá una gran depresión que le llevaran a varios intentos de suicidio hasta ese 13 de julio de 1954 la fecha de su fallecimiento. No hubo autopsia, entonces se conjeturarán todas las hipótesis posibles de la verdad de su muerte ¿vencida por el dolor o provocada? eso nunca lo sabremos lo cierto es que con Frida Kahlo desaparecía la mas grande de las artistas plásticas latinoamericanas del siglo XX, quizá la excusa de Frida había sido llevar al arte sus sentimientos, dejando a su vez expuesta toda su vida como un libro abierto donde nos podemos encontrar con las mas profundas emociones que el arte dejo entrever por siglos.

El Beso de Los Amantes

René Magritte

Sobre René Magritte. Ese Obstinado pintor de ilusiones

Tenia apenas trece años cuando un día de marzo de 1912 vio como sacaban a su madre ahogada de las profusas aguas del río Sambre, impasible, callado, con la mirada fija y perdida a la vez, prefirió creer que solo se trataba de una escena que su imaginación había inventado, era la única manera de enfrentar la vida, -pensó-creer que la realidad poseía su espejo como si se tratase de una dimensión, que uno podía llegar a percibir sin que por ello fuese la sola verdad.
René Magritte nació en Lessines, Bélgica en 1898 nada se sabe de la vida de Magritte en sus primeros años, solo que ayudaba a su padre Leopold en el taller de sastrería, quizá allí –según sus biógrafos-descubrirá la gama de colores en los hilos y la variedad de telas que éste, comercializaba, colores que mas tarde tomaran su atención por completo.
Unos años antes del suicidio de su madre, René había emprendido sus clases de dibujo en una escuela, la única de su pueblo, pero recién a sus 27 años comenzara a realizar sus primeras obras de neto corte impresionista, mientras que continuara sus estudios en La Academia de Bellas Artes de Bruselas y es en esta ciudad donde expondrá por primera vez en las galerías del Centro de Arte de Bruselas, junto a Pierre Louis Flouquet (1900 -1967) con quien compartía taller y sueños.
Mas tarde en ese mismo año se atreverá a una exposición colectiva con otros artistas, de diferentes lugares de Europa. Su arte ya expresa cuestiones que hacen al hombre moderno y sus devenires, el uso de los colores intensos, al igual que una constante búsqueda de lo tridimensional en su obras provocan en los críticos ciertos interrogantes pero son claras sus influencias del cubismo y el futurismo, sin embargo es por este lapso que descubre el arte de Giorgio De Chirico (1888 – 1978) el fundador del movimiento Escuela Metafísica.
Aquí en este instante si, podríamos decir que Magritte se convierte en un artista del surrealismo y con ello el misterio, la danza de las sinrazones, los alocados vaivenes de las escenas que solo existen en su mente y que terminaran por conmover al mundo.
Hacia finales de 1930 vivirá y trabajara en Paris y será parte del movimiento surrealista que dominaba la escena del arte y que no dejaba de ser provocador, compartirá taller, salidas y charlas, con Salvador Dalí, Joan Miró, y el escultor, poeta y pintor franco- alemán Jean Arp y claro esta el creador del movimiento André Breton, sin embargo la llegada de Magritte al grupo producirá un resurgimiento del arte surrealista que comenzaba a declinar, pero serán solo tres años donde las rencillas con el grupo de artistas no tardaran en aparecer, Dalí poco menos que intolerante dirá que su arte es mas importante que los postulados del grupo y su presencia en el mismo es quien provocaba el reconocimiento de dicho grupo, será quien dará el portazo y al tiempo Magritte decidirá volver a Bruselas.
Se dedicara a intentar resolver los problemas tempo-espaciales que surgían en sus obras, la relación entre léxico, objeto material, e imagen hasta donde las mismas estaban sujetas por finos hilos, es decir la realidad ajustada a un punto de la escena y como a su vez esa escena de ser ilusoria provocaba variables interpretativas.
Será en 1936 que confirma que su arte había trascendido las fronteras de Europa, lo invitan a exponer en una importante galería en la ciudad de Nueva York y en ese mismo año formara parte de la muestra que el MOMA el Museo de Arte Moderno de Nueva York le dedicara al arte fantástico. Pero ese es el principio del éxito que aun le esperaba en las próximas décadas donde no faltaran los encargos y las exposiciones, tanto en Ginebra, Paris, Bruselas, y algunas ciudades de Estados Unidos.
Su estilo nunca dejara de ser el mismo, esas alegorías de la dualidad, la inteligencia refinada para ironizar sobre cuestiones del hombre sujeto a realidades extremas que pueden inducir un largo abanico de respuestas, sus juegos aletargados entre ilusión y medio, solo hacia finales de los años 50 Magritte hará un breve retorno al arte impresionista que la critica especializada se encargaría de denostar por tanto tiempo y sin embargo esta etapa no ha dejado de ser estudiada por los investigadores de su vida y de su obra, cercano al fauvismo, en una especie de implosión de colores primarios que legaran al mundo algunas de sus obras mas admiradas.
En 1965 Magritte viajara a Nueva York a una de las primeras retrospectivas de su obra, en el Museo de Arte Moderno, allí la prensa de todo el mundo se agolparía frenéticamente por lograr una palabra, una fotografía del artista, no obstante hay algo en su mirada que deja entrever que eso de la popularidad no le sienta bien, se siente cansado, extenuado, para él tener éxito significaba arribar al final de una meseta, y en la cima el viento cruje fuerte en los oídos.
La ultima de sus muestras es en agosto en Róterdam una preciosa ciudad de los Países Bajos, allí el éxito de La Muestra es absoluto, Magritte a pocos días ya esta en Bruselas, algunos de sus biógrafos aseguran que se lo nota ausente, triste, a tal punto que ha dejado de pintar, dicen que su solitaria obsesión por el alcohol para olvidar la horrendo escena de su madre ahogada, no puede sacársela de la cabeza, hasta que la noticia que le había ocultado a todo el mundo no tarda en ganar estado publico, el cáncer de páncreas se esta llevando todas su fuerzas, es un día cualquiera un 15 de agosto de 1967, Magritte ha dejado de existir…
Un titular de un periódico de la época lo dice todo: Magritte, el obstinado pintor de ilusiones ya no esta entre nosotros…ahora el mundo será un poco más gris…

Muerte en la Habitación del Enfermo
Edvard Munch
Oleo S/Carton
Galeria Nacional de Oslo- Noruega

Sobre Edvard Munch. Las fauces de la Soledad…

Sentía que el mundo apagaba sus luces muy lentamente, la casa estaba en semipenumbras y en una de las habitaciones su madre agonizaba, no querían que él la viera, y fue para un niño, pasar de los juegos inocentes a la cruenta realidad, de un minuto a otro, algo que dejaría sus huellas para siempre y que el artista intentaría una y otra vez como en una lucha sin fin exorcizar de su vida. Como se hace para luchar contra la ausencia, contra el dolor, contra el amor que lleva apenas un corazón de unos pocos años por alguien que significaba todo para él, desde aquel entonces la soledad lo seguirá como su sombra sin poder hacer nada, a mas de soportar entre pesadillas y sueños su destino.
Edvard Munch, nació un 12 de diciembre de 1863, pintor expresionista creador de una de las obras más emblemáticas de la historia del arte El Grito, que se haya realizado hasta la fecha, que describe la angustia existencial del hombre moderno, que abarca todo una época marcada por tragedias, guerras y desolación.
Munch intentaba dilucidar lo que estaba muy profundamente en su alma, su difícil infancia donde había visto morir a su madre y a su hermana de tuberculosis y una complicada relación con su padre de carácter dominante e implacable, con profundas convicciones religiosas, lo convierten en un niño introvertido que no podía ajustarse a las normas establecidas.
Hacia 1880 ya había abandonado su carrera de ingeniería para dedicarse al arte. Viajara a Paris, el centro del arte mundial por aquel entonces y allí se introducirá en los movimientos artísticos que se adelantaban a cualquier conjetura. Anonado y seducido por la vida y la obra de Paul Gauguin(1848 -1903) en primera instancia se deja llevar por ese torbellino, pero mas tarde dominara sus ímpetus, creando un arte totalmente personal, ahondando en el carácter simbólico del color y resaltando las líneas de sus tan originales trabajos.
En su primera exposición individual presentara mas de 100 de sus obras con las cuales causara un verdadero revuelo en la sociedad pacata de fines de 1800 pero esa conmoción mas tarde en 1890 lo harán acreedor de una beca estatal, es por este lapso que el artista se abocara a pintar algunas de las mas intimas escenas personales, como confrontando con sus propios temores y demonios, allí saldrán a luz el drama de su madre en el lecho de muerte, también el cruento destino de su hermana, Sofhie y todos los temas que prácticamente serán el eje central de toda su obra: la angustia, el dolor, la muerte, la desesperación…
-Paseaba por un sendero con dos amigos - el sol se puso - de repente el cielo se tiñó de rojo sangre, me detuve y me apoyé en una valla muerto de cansancio - sangre y lenguas de fuego acechaban sobre el azul oscuro del fiordo y de la ciudad - mis amigos continuaron y yo me quedé quieto, temblando de ansiedad, sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza...-dirá el artista en cuanto a su obra mas famosa El Grito que precisamente data 1893
Las palabras son más que claras y hablan de la angustia de vivir, de eso que no puede controlarse con nada, con ningún tratamiento, ni píldora mágica, y que el famoso filosofo Kierkergaard (1813-1855) llamaría - la enfermedad del alma del hombre porvenir.
Es hacia 1900 que terminara su serie – Friso de La Vida- donde hace un recorrido por sus mas traumáticas obsesiones, el amor, los celos, la traición, la soledad, el despertar sexual, la melancolía, a la vez que realiza retratos quizá uno de los mas conocidos sea el que hizo del poeta y filosofo Friedrich Nietzsche (1844-1900) y paisajes que le devolvían al espectador la exuberante belleza de las campiñas. Hasta tanto sus muestras se multiplicaban en Berlín, Paris, Hamburgo, Estocolmo el éxito comienza a golpear su puerta, pero no puede dar batalla a la adicción al alcohol que lo abruma y a los terribles mareos, dolores de cabeza insoportables, y una sensación de abatimiento constante tras el mínimo esfuerzo, pero son tantos los encargos que no puede detener el ritmo de trabajo, hasta la primavera de 1908 donde sufrirá un colapso nervioso que lo dejara al borde la muerte. Se recuperara y volverá a pintar sin descanso por mas de una década, es cuando comienzan a lloverle los reconocimientos. Pero reaparecen los síntomas de su enfermedad. Se siente apesadumbrado y decide retirarse por un tiempo, a mas de sus achaques habiase sumado ahora un problema en la vista que no le dejaba ya concentrar la mirada. Con la llegada de Hitler al poder, el nazismo terminara de abofetear su trabajo de toda una vida como artista, retirando todas sus obras vendidas a los museos alemanes, pues el régimen lo consideraba un demente que practicaba un arte degenerado. Hacia 1940 toda su obra también será retirada de las galerías de las ciudades donde el poder del Nacional Socialismo invadía.
Con la llegada de la 2da guerra Munch por primera vez expondrá su obra en Nueva York tiene casi 80 años y si apenas puede caminar, su escasa visión, su alergia que no le deja respirar y sus huesos desoldados y cansados.
Volverá a Noruega en sus últimos años y allí pasara horas sentado en su casa – taller aferrado a sus pinceles ya sin colores, que se le caían de las manos y que buscaba desesperado por el suelo, como si con ello pudiera enmendar su espantosa angustia, se incorporaba tiritando y de nuevo ocupaba su sillón hasta dormirse, junto a esa especie de maldición que desde siempre lo seguía, quizá pocos imaginen todo el dolor que Munch debio atravesar en sus últimos días, batallando con la misma sombra que nunca se había apartado de su lado, esa que no reconoce status, ni nombres celebres, ni razones, hasta que lo encontraron arrojado a las fauces de la soledad, la muerte… un 23 de enero de 1944. Tras de si había dejado mas de 1.000 óleos, mas de 15.000 grabados, y mucho mas de 4.000 dibujos y acuarelas que son hoy en día los cimientos del Museo Munch en Oslo, Noruega.

La Remendadora (1891)

Edouard Vuillard

Sobre Edouard Vuillard: Desde la belleza más profunda…

Edouard Vuillard fue el hijo de una humilde costurera, sola y enferma, nada de su entorno hacia prever su inclinación por la pintura, pero eso no le impidió quedarse entre los salmos más esplendorosos de la historia del arte.
Sus intimistas paisajes de la cotidianeidad nos recuerdan las escenas de una realidad no menos difícil pero tan bella que no alcanzaría la vida para intentar comprender la visión de su creatividad que lejos de quedarse aislada, trascendió todas las fronteras y ese pintor que a determinado momento huía de las gentes, introvertido a mas no poder, con una madurez impropia para su edad construyo su propio mundo que si apenas puede encasillarse quizá sea dentro de un movimiento, el del simbolismo no obstante es fácil pensar que en su arte respiraba todavía cierta reminiscencia del puro impresionismo, época que hizo regresar a cuestas de su soledad y a puertas cerradas sin imaginar que seria el mas retraído y meditabundo de los artistas dueño de un estilo tan personal como conmovedor.
Vuillard nació en 1868 en Cuiseaux, (Valle del Loira) Francia, a los nueve años junto a su familia se traslada a Paris y allí despertara al arte.
A los diecinueve años renuncia a la carrera militar para dedicarse a la pintura. Estudia en la Academia Julian, donde se hará de grandes amigos, más que de conocimientos. Hacia 1889 se unirá al grupo de Los Nabis, artistas que buscaban renovar el panorama artístico siguiendo algunos postulados de Gauguin (1848 – 1903) es aquí cuando el artista francés realizara algunas de sus mejores obras donde el simbolismo cobra vida. Mas tarde trabajara estrechamente en el decorado, diseño de vestuario e ilustraciones de los programas del Teatre de L’Art y el de L’Oeuvre que presentaban obras teatrales del gran dramaturgo noruego Henrik Ibsen (1828 – 1906) creador del drama moderno.
Su amigo el escritor Poul Veber lo introduce a la Revue Blanche, periódico que marco una época haciendo un compendio de todo lo mejor del arte y la cultura europea de 1889 hasta 1903; por este lapso participa junto a otros artistas del grupo en una exposición en Paris. En el mismo año en otra de sus exposiciones conocerá a dos de los poetas franceses, mas universales Poul Verlaine (1844 -1896) conocido como el príncipe de los poetas, éste creara una impresión tan grande en él que al igual que Mallarmé (1842 – 1898) al invitarlo los martes a la noche a su casa donde se daban cita la gran mayoría de los artistas y músicos de este tiempo para celebrar reuniones literarias, desatara en el artista un profundo acercamiento a la poética simbolista de ambos, no hay que olvidar que el simbolismo (reacción contra el materialismo de la era industrial) en el arte pictórico estuvo precedido por el simbolismo literario, de ahí que Vuillard se sintiera tan atraído, como dato aleatorio Claude Debussy (1862 – 1918) el músico mas influyente del siglo XIX también fue inspirado por los escritos de Mallarmé para crear algunas de sus composiciones.
Los Nabis proponían llevar el concepto artístico a objetos de la vida cotidiana, así Vuillard desarrolla para Tiffany´s diseños únicos para su cristalería, mientras trabaja en residencias privadas realizando murales con influencias del arte japonés. Hacia 1900 y tras disolverse el grupo de los Nabis, y la caída del periódico Revue Blanche que proponía un estilo de vida diferente y distinguido. El artista comienza a trabajar para una de las galerías de arte mas importantes de Paris, pero de neto corte impresionista, le proponen exposiciones periódicas y tras el reencuentro con Renoir y Monet, sentirá de nuevo el entusiasmo y estallara un periodo donde el público se asomara azorado a su arte. Desde 1925 realizara por espacio de 15 años una importante serie de retratos de la aristocracia francesa, como nadie de su tiempo siendo testigo de la sociedad de entreguerras. Huirá en 1940 de la invasión de los nazis, pero fallece en las costas de Bretaña en ese mismo año.
Nada atrapa mas de las obras de Vuillard que las que le dedico a su madre, la anciana costurera trabajando en su taller en días indiferentes, en un almuerzo cualquiera, junto a una ventana dormitando en su sillón hamaca con un trozo de tela en su regazo que a veces parecen nubes a punto de volarse de sus manos o remiendos de un cielo vaporoso, todo bajo un sopor de ensueño, con el tratamiento perfecto de la luz modelando su rostro herido por el tiempo y en ella brindo un homenaje universal a la mujer, a las madres que desde un oficio modesto, le dedican su vida a sus hijos sin pedirles nada cambio. Vuillard no fue uno mas de un grupo de artistas del simbolismo que pretendían otro destino, había algo mas en él que se avista cuando dedica todo su esfuerzo para plasmar imágenes de entrecasa, ahí donde no hay lugar para fingir una sonrisa, ahí donde en el instante menos esperado la soledad se hace presente sin remedos, donde se sufre o se disfruta sin simulaciones, donde nadie puede ver cuan frágil es el hombre, con su semblante y sus huesos deshechos, donde somos nosotros mismos, con el alma saliéndose por los poros de una espera o un atisbo imposible. Vuillard nos demuestra que también es un soñador perdido que esta intentado detener los años, los días, las horas que van llevándose todo lo que amaba, pero siempre desde la belleza mas profunda e irrepetible.

Autorretrato

Resina, fibra de vidrio, silicona
Ron Mueck

Sobre Ron Mueck. Un escultor de tiempo completo…

Fue 1996 en la muestra llamada -Sensación- donde se dará a conocer junto a otros celebres artistas; allí demostrara que sus esculturas podían dar mucho mas de lo que ni siquiera el mismo imaginaba.
Sus figuras hiperrealistas vieron la luz para asombrar a un público que ya no puede conmoverse con nada, para Ron Mueck un australiano nacido en Melbourne y que jamás había soñado en convertirse en artista fue como descubrir otro mundo.
Desde hace unos años sus muestras han llamado la atención de la prensa y la crítica internacional. Sus obras desenmascaran todo tipo de emociones, inquietan, trastornan, sorprenden, anonadan. Creando a la vez opiniones desencontradas. Apenas cuando se iniciaba en el arte se enfrento a la polémica como sucede con la mayoría de los cultores sobresalientes del arte en los tiempos que corren. Su figura creció hasta el límite de ser considerado un genio posmoderno y las publicaciones especializadas lo ubican como uno de los artistas más influyente del mundo.
Creció entre los cobertizos de la fábrica de juguetes de su padre y más tarde se adentrara en la industria del entretenimiento (Televisión) donde trabajara por más de 15 años. Luego se dedicara a crear efectos especiales para filmes llegando a trabajar en verdaderos clásicos del cine como –Dentro del Laberinto- de 1986 producido por el legendario George Lucas (1944 -) y que con el tiempo es considerado un film de culto para los fanáticos de la estrella de la música Rock, David Bowie (1947 -) su protagonista.
Es en 1996 cuando Ron Mueck decide instalarse en Londres, allí montara su empresa, que realiza fotos –realisticas y animatronics (animaciones digitales) para publicidad. En ese mismo año trabajara junto a Paula Rego, artista plástica, y madre de su mujer que lo introducirá en el mundo del arte, producirá pequeñas figuras como partes de diferentes cuadros; mas tarde conocerá al propietario de la Galería – Museo Saatchi y le hará algunos encargos, digamos que ese fue su comienzo.
Se convertirá en escultor a tiempo completo a la vez que perfecciona sus técnicas usando materiales anti - convencionales, para sus obras, resina de fibra de vidrio, silicona, espuma de poliuretano, fibra de acrílico y tela. Prefiere utilizar como modelo solo fotografías e imágenes de publicaciones porque asegura que con los modelos vivos no puede concentrarse.
Sus esculturas reproducen los más ínfimos detalles del cuerpo humano, y no ha escatimado en usar un procedimiento similar al de la microcirugía capilar para darles el aspecto único y verdadero a sus creaciones. Pero el gran atractivo de su trabajo es que no ha realizado esculturas de tamaño natural sino que prefiere el impacto de trabajar a escalas inmensas o de lo contrario pequeñas, pero siempre buscando el mayor efecto visual.
No olvidemos que el hiperrealismo es una tendencia que surge a finales de los años 60 en EE.UU. y en plena crisis del objeto artístico, ya que imperan por ese entonces las propuestas conceptuales, entonces irrumpen en escena algunos artistas figurativos que recuperan de alguna manera la pintura de caballete apostando de nuevo por la descripción de la realidad. Sin embargo el hiperrealismo conjuga postulados con el Arte Pop por ejemplo, ya que ambas tendencias comparten en dar testimonio de los aspectos predominantes y a la vez más frívolos de la vida común de los americanos.
Volviendo a Ron Mueck sus muestras alrededor del mundo han creado una especie de mitología urbana de su trabajo, que garantiza la presencia del público ávido de poder ver de cerca sus tan lacerantes criaturas.
Desde el éxito de su primera presentación en 2006 pasara por Edimburgo, por el Museo de Broklyn, por la Galería Nacional de Canadá, el Museo de Arte Moderno en Texas, expondrá en el Museo dedicado a Andy Warhol en Pensilvania, y su multitudinaria presentación en Siglo 21 Contemporany Art. en Japón, mas diversos documentales de su vida y su obra lo han convertido en tiempo record en uno de los artistas mas importantes de la actualidad.
Entre sus trabajos mas celebres, podemos nombrar a –Ghost- (una adolescente en traje de baño de 7 metros de alto, que forma parte de la colección Tate Galery de Londres) o Mascara de 1, 50 metros o su gran obra –Boy- un bebe de 5 metros, de proporciones exactas y de apariencia tan real que algunos de los críticos dijeron que solo faltaba que pudiera respirar; obra que causaría conmoción en la Bienal de Venecia de 2005.
Vale la pena conocer su obra y es tal vez poco menos que increíble el efecto que el artista a causado en miles de personas que visitan a diario su sitio Web, sin embargo en la era de la tecnología, a Ron Mueck le gusta trabajar casi artesanalmente en sus obras y mas aun sueña que su trabajo pueda despertar los sentimientos mas profundos del espíritu humano y puedan ser exteriorizados y que brote con ello la magia de la comunicación, la comprensión, el compartir, el pensar en lo que significamos como seres capaces de cambiar un destino si dejamos salir a ese que esta oculto en nosotros mismos y somos capaces entonces de amar sin distancias ni diferencias.

El Jardin de las Delicias-(Detalle) Autorretrato

El Bosco - Jeronimus Bosch

Museo del Prado - Madrid

Sobre Jeronimus Bosch (El Bosco). El pintor de la oscuridad…

Hubo un pintor que se adelanto, a los procesos creativos, del cual se nutrirían los surrealistas 5 siglos después, rompiendo todas las predicciones de la historia del arte. ¿Quien es este hombre? que siendo el simple hijo de una familia de artesanos y campesinos, habitante de un pequeño pueblito perdido, que adquirirá tanta fama y notoriedad en un tiempo donde no existían las telecomunicaciones y mas aun luego de su muerte su nombre llegara a ocupar la atención casi obsesiva de uno de los monarcas mas poderosos que haya existido sobre la tierra, Felipe II que hizo buscar por toda Europa desesperadamente algunas de sus obras, pagando su precio inclusive en oro. ¿Quien es este artista? que vivió prácticamente recluido en su estudio, en Hertogenbosch, hoy pequeña provincia holandesa y que a su vez según escriben sus biógrafos, llevaba una doble vida social, formando parte de la hermandad religiosa de Nuestra Señora, cuyos miembros devotos de la virgen formaban parte del cuerpo musical de la Iglesia de San Juan, y a su vez miembro de una temible secta Los Adamitas, que tras surgir en el norte de África hacia el siglo III renacerán en Europa en el siglo XIII bajo la tutela de Marguerite Porète que la inquision quemaría por herejía. Sus seguidores regidos por un poderoso noble, Jacobo de Almaigen, tomaran el nombre de Los Hermanos del Espíritu Libre, fundando su secta en el mismo pueblo donde vive el artista. Dicha secta practicaba las más absolutas aberraciones desde fiestas mundanas, donde se bebía sangre y se practicaban sacrificios humanos, en procura de alcanzar la divinidad.
Jeronimus Anthonissoen Van Aken Bosch tal es el nombre del pintor de celebridad universal conocido comúnmente como El Bosco, pintor flamenco, que no se sabe muy bien su fecha de nacimiento ni de su muerte que se supone existió entre 1450 y 1516 esto es relativo según los diferentes historiadores del arte.
El mayor especialista en la vida y obra de El Bosco, el historiador alemán Wilhelm Fraenger, asegura que este artista sin duda alguna formo parte de la secta que le llevo a crear las mas fantásticas obras de arte jamás imaginadas, pero aun siendo así, no se ha encontrado documentación fidedigna que lo asegure. Aun en la actualidad cualquiera que contemplara sus obras con detenimiento, no podría siquiera imaginar su significado mas profundo. Seres apocalípticos, criaturas malignas, atroces y extrañísimas que no se sabe si son pájaros, reptiles, bestias o demonios y en cada resquicio de sus obras un símbolo que no parece notarse y que muy pocos saben lo que significan.
También es muy conocida su obra que realizaba por encargos de la iglesia, su famoso Cristo con la Cruz, una de sus verdaderas obras maestras, donde el artista retrata un Jesús de ojos cerrados cargando la cruz rodeado de algunos de los rostros que parecen estar en un lugar equivocado, irónicos y despiadados o la Coronación de Espinas que se encuentra en el Museo National de Londres donde un Cristo apacible ofrece su cabeza a la corona de espinas puesta por una mano de hierro, pinto también Santos, y otros motivos religiosos, sin embargo la máxima atracción tanto en el Museo del Prado como en el Escorial donde se encuentran algunas de sus trabajos mas representativos, es El Jardín de las Delicias el tríptico cuya imagen impactante produce asombro en los turistas de todo el mundo, que se quedan atónitos ante la magia y la locura que la escena reproduce, allí la creación y el infierno dejan de estar separados, todas las razas sin pudores, tal cual han venido al mundo juegan extraños acertijos donde están presentes todas las ensoñaciones afiebradas del artista, y dentro de esa escena plagada de secretos mensajes, según los especialistas, es la primera vez en la historia del arte que alguien dejara su autorretrato pintado en un árbol que a sus pies lleva unas canoas y que rema lentamente hacia la ciudad que los esclavos del demonio están construyendo eternamente.
Quien puede discutir que El Bosco aun después de tanto tiempo sigue siendo un artista controversial, el mismo que diseñaba bellísimos crucifijos para las iglesias de su pueblo y cercanas al mismo, fue quien despertaría las mas terribles pesadillas que artista alguno jamás haya pintado.
Nunca nadie pudo develar que hacia en su taller, donde prácticamente estaba casi exiliado, ahí no entraba la luz natural, las ventanas estaban selladas, el silencio era acongojante, ni siquiera su propia mujer, podía entrar allí, algunos los mas desafiantes escritores afirman que en una ocasión una de sus sirvientas observo que El Bosco pintaba prácticamente a oscuras y que alguien, una sombra, guiaba el ritmo de sus pinceladas.
Dicen que murió un 9 de agosto de 1516, pero los documentos que así lo afirman se perdieron para siempre. Otros aseguran que estuvo confinado hasta el final de sus días en las famosas catapultas de Venecia donde los inquisidores llamados Los Señores de la Noche, que con increíbles instrumentos de tortura, castigaban sin piedad a los que habían caído al pecado hasta lograr se arrepientesen aun a costa de sus muertes.
Quizá sea ya parte de una leyenda que no sabemos si es real o ficticia, pero El Bosco es el gran visionario de un tiempo de sumas crueldades y bajezas, donde la suma sensibilidad, y la inteligencia, se pagaba con la vida.

Las Pataguas - Oleo
Agustin Abarca

Museo de Arte Contemporáneo, U. de Chile

Sobre Agustín Abarca. Del lado del Corazón

El arte latinoamericano es tan rico como insustituible, plagado de una historia poco menos que deslumbrante pero también desconocida para muchos de nosotros, como es el caso de Agustín Abarca el genial artista chileno nacido en Talca el 27 de diciembre de 1882. Descubrirá la pintura tempranamente gracias a un encuentro casual con el pintor Pablo Burchard hacia 1900 que fuera profesor de generaciones de artistas en La Academia de Bellas Artes. Mas tarde seguirá formándose junto al maestro Pedro Lira uno de los grandes artistas chilenos, que ocupara el centro de le escena entre 1880 y 1910.
Posteriormente Agustín Abarca seguirá perfeccionándose junto al pintor Alberto Valenzuela Llanos, quizá uno de los paisajistas más importantes del país vecino.
En 1909 seguirá estudios en La Academia Oficial del maestro español Fernando Álvarez de Sotomayor donde depurara su técnica hasta el extremo de la perfección.
Son innumerables sus exposiciones a lo largo de su carrera, que abarca desde 1908 hasta 1953, y sus exposiciones póstumas que siguen aun en la actualidad.
Abarca es parte de lo que se conoce en Chile como La Generación del Trece. Artistas que intentaban ir hacia lo profundo de sus propias raíces, siempre lógicamente desde la libertad personal, desde un concepto tan íntimo como revelador, por eso esos paisajes deslumbrantes de la región de la Araucanía, Maule, Constitución, Victoria entre otras.
Es hacia 1916 cuando alcanza la cima como creador ya que se imbuido por la naturaleza y su capacidad de captarla en estado puro, fueron muchos años donde su talento se desborda como nunca antes y en el cual comienza a brillar definitivamente como artista.
Su 2da etapa se iniciara hacia 1927 donde plasmara los alrededores de Santiago, La Quinta Región y con una mirada especial sobre Peñalolén.
En 1940 por concurso se quedara con la cátedra de Dibujo y Pintura en la Escuela de Bellas Artes de Viña del Mar, desempeñándose en el cargo solo por un año. De ahí en más se dedicara en tiempo completo al arte en su taller.
Todas las técnicas pasaran por sus creaciones Carbón, Pastel, Óleo, Acuarelas, Dibujos, Aguadas. El artista nada dejara de representar, pasando por figuras humanas, naturalezas muertas y paisajes increíbles.
Sus obras recorrerán parte del mundo EEUU, Alemania, Francia, y en Latinoamérica, Argentina, y Bolivia entre otras.
Su arte trasciende y se fortalece a partir de una visión completamente regionalista, quizá ese costal un tanto evocador como intimista, a veces que puede inclusive optar por el hallazgo del detalle absoluto. Es un colorista que no le teme a los caprichos de lo que aprecia en sus búsquedas, juega con los ocres, vivenciando atisbos de sombras y mullidos amarillos que se aferran a las cosas como viejos recuerdos atemporales.
Hasta antes de morir el 28 de Mayo de 1953 lo había logrado casi todo en su carrera artística, todos los premios, todos los reconocimientos y lo que pocos artistas pueden alcanzar quedarse en la vivencia cotidiana de su gente, como un pequeño escozor del lado del corazón.
Sencillo, tan modesto como talentoso supo declarar por décadas a través de su trabajo un modo y una manera de ver la vida. Antes que bohemio como toda la Generación del 13 prefería quedarse con su familia, y compartir lo más de esos instantes únicos y singulares que terminaban por darle fuerza para continuar con su extenuante trabajo. Era uno de esos hombres que no concebía la vida sin tener lo que amaba cerca, sin decir ni pensar siquiera ningún tipo de extrañeza hacia lo que le dictaba el espíritu.
Nosotros queríamos hablar de este gran artista chileno en una suerte de evocación por la grandeza de sus hombres de cultura. País donde tenemos tantos amigos y familia en este momento tan difícil que les toca atravesar, rogando que Dios les indique el camino a seguir para superar tanto pesar, tanta tragedia. Nuestro pensamiento esta con ustedes hermanos.