Lichtenstein, trabajando en una de sus inconfundibles obras (collage) - Nueva York

Roy Lichtenstein

Beso IV (1964)

Roy Lichtenstein. El éxito rápido, descartable y eterno a al vez…

Desde los años cincuenta digamos que el arte americano ha marcado tendencia en el mundo, sin cuyo análisis es imposible comprender el ritmo actual de los diferentes postulados que enmarcan la era de la tecnología también en lo creativo.
¿Pero como se produjo esa transformación? que hizo para establecer una manera diferente de ver al mundo que ya estaba siendo devorado por el consumismo irrefrenable.
Lichtenstein el icono del PopArt nació en Nueva York en 1923, estudio en la Universidad de Ohio, egresando como Dr. en Arte en 1949. Antes de arribar al mundo del arte trabajo en diferentes proyectos publicitarios y como decorador de vidrieras y dibujante de proyectos de arquitectura.
En primera instancia estuvo cautivado por el expresionismo abstracto pero fue hacia 1962 que se hace eco de los postulados más poderosos de la cultura americana, como las estrellas de Hollywood, los filmes de Cowboy, los dibujos animados de Disney, diseñando una nueva reproducción de los héroes efímeros que poblaban las calles de afiches publicitarios.
En primera instancia nadie podía comprender su mensaje, sin embargo no pasaría mucho tiempo para lograr introducir su particular visión creativa dentro del tan sofisticado mercado del arte americano, después de conquistar a los influyentes críticos, donde lo ubican como poco mas que el artista Pop que había roto con todas las reglas y al igual que Warhol prácticamente eran el plasma, la nueva sangre de un arte que tomaba burdos elementos de la vida cotidiana, para resignificarlos, un arte único, surgido dentro de sus propias fronteras, sin olvidar aquí que sus limites estaban como en la actualidad en constante expansión.
EE.UU. por fin podía entregarle al mundo enmarcado en una obra de arte esa pasión desmesurada por los jugadores de Baseball, o una vistosa góndola de supermercado con sus reconocibles símbolos de los cuales absolutamente nadie puede escapar, o sus miles de afiches luminosos ahora tenían otra manera de verse, Lichtenstein creo los puentes para que la cultura popular americana estableciera el paradigma de una sociedad que le vendía al resto del planeta que podía ser feliz como ningún otro pueblo de la tierra después de una devastadora guerra.
Junto a otros artistas como Tom Wasselman, Claes Oldemburg y el mismo Warhol logro izar las estrellas de su bandera en todos los rincones donde soplara el viento de cambio, en realidad Lichtenstein no creo nada nuevo jamás, solo sometía imágenes de publicaciones populares como los comics, por ejemplo y las dejaba a solas, las quitaba del frenesí de una historieta que se leía de a prisas y se arrojaba luego al tacho de basura, a esas imágenes sin alterarlas les daba la sobriedad y el carácter detallado de inscribirlas bajo las pesadas cadenas de su propio nombre que con el transcurso de los años ya era una marca registrada, tanto que 1967 representara a su país en la Bienal de San Pablo.
Podríamos decir que Lichtenstein es un artista influenciado por los medios de comunicación masivos de entretenimiento y cuyo impersonal talento estaba supeditado lógicamente a ese condicionante.
Su éxito fue abrumador los encargos no le daban respiro, mientras su fama crecía entre la nueva generación de artistas americanos que aun siguen sus pasos aunque claro, hoy en día ya no podemos hablar en materia de arte de una tendencia determinada sino de una fusión que lleva por cierto tenues resabios de ese arte reflejo de la sofisticada publicidad americana.
En 1993 el Museo Guggenheim presentara la primera retrospectiva del artista que en realidad será el inicio del Tours Mundial de la muestra que recorrerá los cinco continentes, ante un publico ávido de descubrir los secretos de un artista que se abrió paso de la nada para encontrar la celebridad haciendo casi nada, a mas de copias…
Hasta su muerte en 1997 casi obsesivamente pintaba sus obras de grandes formatos, con esos colores primarios y chillones propios del bajo costo de las publicaciones de tiradas masivas de los comics, desde donde sacaba su inspiración. Nada le quedo por hacer prácticamente, por su arte pasaron todos los moldes, los signos, la psicología activa con el que son tratados los productos publicitarios, para crear sed de consumo, jugo con las estrategias de mercado, arraso con cada uno de los códigos y hasta se animo a reproducir afiches para la venta del negocio inmobiliario tan poderoso en los EE. UU.
En esa Nueva York devenida en el centro del arte mundial, Lichtenstein de ser considerado el peor pintor de la historia del imperio del norte paso a convertirse en otro de los paradójicos sueños americanos, que todo el mundo ha comprado el del éxito rápido, descartable y eterno a la vez…

Mamá

Bronce, acero, marmol

La escultura mas célebre de la artista Franco - norteamericana, Louise Bourgeois, una de las tres reproducciones, existentes de un posible de 7 que forma parte de la colección de arte del Museo Guggenheim de Bilbao.

Louise Bourgeois.

Icono del Arte Escultórico Contemporáneo Universal



Nunca, quienes apreciamos el arte podemos fijar nuestra mirada solo a lo que nos rodea, debemos, indagar, examinar, sobrevolar el mundo si se quiere así decirlo en busca de artistas que a través de su obra desencadenan tendencias y se convierten en iconos de su tiempo. Existen pocos artistas contemporáneos capaces de establecer un antes y un después mas aun en el medio egocentrista e individualista en lo cual se han convertido las grandes capitales del mundo. Es el caso de Louise Bourgeois, extraordinaria escultora nacida en Paris el 25 de diciembre de 1911, una mujer que a través de su obra, enmarañada, alegórica, escalofriante y bella, donde nos propone a la vez un canto a la mujer, a la inconsistencia de la condición humana donde la vida no puede ser otra cosa que una construcción que nunca termina; por ello su trabajo se acerca a la matemática, a la arquitectura. Ella afirmaba que no se puede entender al ser humano sin arquitectura, la realidad de este concepto es tan profundo para la artista que la arquitectura pasa de alguna manera a formar parte de su mundo espiritual, lo que se construye y reconstruye tiene un significado simbólico, posee existencia física, por eso afirma que su arte son “metáforas arquitectónicas” en realidad su trabajo es autobiográfico, su obra es ella misma de pies a cabeza representada en símbolos de su existencia mas profunda, son emociones que estallan y que son controladas a través de sus creaciones.
Crecida en un hogar vinculada al arte, pues sus padres se dedicaban a la restauración de tapices, donde no era fácil la convivencia, donde se había perdido el sentido de hogar, de niña llevaba consigo la angustia que le hacia despreciar su pequeño cuerpo, con el transcurso de los años intento exorcizar de su memoria su pasado plagado de dificultades haciendo de su sufrimiento recreaciones tangibles para al mismo tiempo olvidar y destruir, aquello que le había causado tanto daño.
Tras estudiar matemática en la Sorbona, decidió cursar Bellas Artes en la Escuela del Louvre. A los 27 años y ya emigrada a Nueva York presenta su primera serie de esculturas “personajes” atrapada por la nostalgia de Paris y sobretodo por la gente que añoraba desesperadamente; sus manos se crisparon en esas figuras uniéndolas y separándolas así nacieron esas especies de monolitos verticales en los que puede verse la coherencia de su trabajo, su método que de graves circunstancias podía desencadenar en manojos de simples sentimientos, pero sin duda que esos personajes manifestaban un conflicto deliberado entre el desinterés por la forma y lo sensato de las líneas, así abrió a la escultura moderna una nueva dimensión impensable sin el psicoanálisis. Ya a mediados de los años 50 llama a sus esculturas “Lair” o guarida, adoptando formas mas fluidas a la vez que sofisticadas, la estructura repetitiva se convierte en la característica central de su obra. Ya en los 80 da a conocer una nueva forma de “Lair”, presentando instalaciones variables rodeadas de biombos metálicos, una especie de representación onírica, o laberinto, de lo asfixiante que puede resultar habitar cierto lugar, cierto espacio, cierta urbe. En los 90 su obra adquiere otra dimensión pero sin dejar su terrible pasado, les llama “Cells”, instalaciones que parecen ensayos de antiguos recuerdos combinadas en forma circular donde el espectador se siente atrapado por la obra y se ve forzado aunque no quiera a introducirse en esta. Una de sus grandes aportaciones es la “Femme Maison”, que no es otra cosa que un cuerpo de mujer unido a una casa, que representa a la mujer resignada, prisionera de su hogar. En su obra se pueden encontrar un culto a todo tipo de mujeres.
Bourgeois es una de las pocas artistas trascendentales que rompe con el concepto de la figura humana manifestado con acaba perfección, hasta principios del siglo pasado la escultura tomo partido por la belleza ideal e invento ficciones de mármol y de bronce para hacer olvidar la realidad del cuerpo, y el logro de ella fue mostrarlo tal cual, experimentando con cauchos y piedras, tejidos artesanales, resinas, redes, cristales, espejos, todo puede servirle siempre y cuando la obra a realizar lleve implícito el poder del sentimiento, porque en un artista verdadero todos sus temas emanan desde el inconsciente. Es lógico el culto a la belleza, pero las pesadillas y el dolor existen también y no pueden ser dejadas de lado- aseguraba la artista.
Casada con un catedrático de historia del arte, Robert Goldwater y radicada en EE.UU desde 1951, se dedicara a la docencia por largos años, su ascendente carrera artistica la llevara a ser parte del American Academy of Arts and Sciences de Nueva York aunque es reconocida tardíamente en el mundo del arte internacional, alejada de los surrealistas, y dadaístas con una carga de simbolismo innato, solo a principios de los 80 sus esculturas encontraron el espacio idóneo, para ser entendidas, pues es ahí cuando se comienza a valorar el arte realizado por mujeres y por fin el cuerpo humano dejaba de ser un perfecto tabú para ser lo que en verdad es. Su consagración llega en el año 1982 cuando el Museo de Arte Moderno de Nueva York, presenta una impresionante retrospectiva de toda su obra, mas tarde sucederá lo mismo en el Museo de Arte Moderno de la Villa en Paris y Londres, al igual que en el año 1999 deslumbrara en la Bienal de Venecia. Seguirán ya en 2008 repitiéndose sus retrospectivas con más de 200 obras, de todas las épocas de la artista, y aun trabajara hasta sus últimos años respondiendo a proyectos y peticiones que le llegan desde el mundo entero. Fallecerá a la edad de 98 años en Nueva York, con ella desaparecería el máximo exponente de la escultura contemporánea universal. Una frase de la artista la define sin concenciones “Soy existencialista profunda, el arte no trata del arte, sino de la vida”.

El Invierno

Giuseppe Arcimboldo

Sobre Giuseppe Arcimboldo. De secretos y revelaciones

Con sus obras no es posible sino adentrarse a un viaje desconocido, así como los libros de Julio Verne (1828 – 1905), y aunque sean de diferentes instancias del tiempo, Arcimboldo en el arte es lo inesperado, alguien que en su momento trasvaso los limites de la creatividad, inenarrable, genio, y desquiciado, se codeo con los monarcas de igual a igual y de ser un simple pintor aventuraba asesorarlos en disímiles empresas, pero nada de lo que pudiera escribirse sobre el mismo puede de alguna manera representar su trabajo como artista, increíble en todo sentido al punto de que pasados cientos de años sigue causando la misma fascinación como la primera vez.
Giuseppe Arcimboldo nació en Milán (Italia) en 1527, era hijo de un pintor de catedrales, lo cual no es poco, ya que creció imbuido de ese espíritu transformador y avasallante. A los 22 años comenzó a recibir encargos, en primera instancia diseños de vidrieras, y después murales en disímiles catedrales, como por ejemplo los Frescos de la Catedral de Monza, (Italia) dedicada a San Juan Bautista. Mas adelante trabajara para los poderosos Habsburgo en Praga por muchos años, dedicándose a los retratos, a la vez que dirigía las suntuosas ambientaciones, la decoración permanente de los palacios del Monarca Maximiliano II y era tanto su talento que diseñaba también la majestuosa vestimenta de los miembros de la corte. Era un hombre de temperamento, de gran energía, incansable no soportaba que las cosas tuvieran siquiera el mínimo defecto, a lo cual reaccionaba con desagrado, perfeccionista al extremo tal que dormía apenas dos o tres horas al día, cuando tenia que cumplir con los encargos y sus colaboradores no le respondían como el precisaba. En Praga se convirtió en el artista oficial de la corte de Rodolfo II, el emperador estaba fascinado con su capacidad creativa al punto tal que lo creía el nuevo Leonardo, de su corte, porque su inteligencia se escapaba de lo convencional, ya que no solo pintaba a la perfección, sino que osaba inventar aparatos musicales increíbles, y maquinas hidráulicas que fueron capaces de revolucionar su tiempo.
Lector voraz Arcimboldo tenía la facultad de rehacer y deshacer sobre una teoría científica, otro postulado, como si fuera un visionario que anhelaba crear su obra maestra. Sin embargo pasara a la historia del arte universal por sus trabajos pictóricos que no tenían nada del otro mundo, salvo la singularidad, y la agudeza, naturalezas muertas en realidad, que formaban figuras, conjunciones de símbolos, y extrañezas que en su momento no fueron interpretadas, pero que causaron una prolongada discusión acerca de su peculiar manera de expresar su arte.
Arcimboldo en realidad se adelanta al manifiesto surrealista de André Breton (1896 – 1966) cientos de años, lo cual derivaría en decenas de trabajos de investigadores y críticos de arte buscando la respuesta a esos rostros humanos, plasmados con verduras, y flores, raices, y hasta peces, y alimañas, al parecer frescas, unas y otras rebosantes de color y de vida. Su serie realizada hacia 1573 denominada Primavera, Verano, Otoño, Invierno poseen una fuerza que pervive, en estas fluye algo desconocido, son perfiles de seres que han sido tomados en sus rasgos por los hechizos de la naturaleza, (el ciclo de las estaciones) que terminan siendo especies de mascaras que dejan entrever algo escalofriante, que se materializa, en una especie de carnaval que apresa otra metáfora del hombre. Si analizamos la obra que le dedica al emperador ya en decadencia Rodolfo II, aparece ante nuestro análisis alguien que enfrenta su mirada desde unos ojos que no son tales, vacíos y fríos, pero donde promedia la soberbia, hay algo en esa obra que desafía al espectador, que le esta diciendo – aquí estoy, aunque lleve cubierto mi semblante, este soy yo, si es que no quieres reconocerme, soy el dueño de tu vida, el amo del mundo- hay que contextualizar siempre para entender la psicología de un artista, saber lo que siente, lo que sufre, lo que vive, depende de la investigación de la época donde desarrolla su trabajo, y a todos los que nos desvela la historia sabemos de la impiedad de los monarcas, de la ironía, y de lo desgastante que ha sido para sus súbditos inmediatos responder a sus demandas, que lo hacían por lógica, desde la admiración pero sobre todo desde el temor.
Otra de las series de Arcimboldo son las realizadas hacia 1566 que llevan el nombre de los cuatro elementos y que son verdaderas obras sin comparación alguna. No olvidemos aquí que será Salvador Dalí (1904 – 1989) el gran artista surrealista, quien tras la exhaustiva investigación de las obras de Arcimboldo descubrirá asombrado que reproducen una sucesión de imágenes, afirmando con esto de que Arcimboldo no era un desquiciado como algunos críticos pretendían denominarlo, en este existía una técnica inigualable, y un engranaje de conocimientos que tenían sus coordenadas delimitadas y perfectamente estructuradas.
Tras la caída de Rodolfo II, su protector y mecenas y tras ser saqueada su residencia, las obras de Arcimboldo caerán en manos desconocidas, muchas de estas nunca volverán a recuperarse, sin embargo algunas de sus obras fueron salvadas para la posteridad, y se encuentran en algunos de los museos mas importantes del mundo como el Louvre en Paris, o en la famosa Galeria Uffizi en Florencia, Italia o en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, (Cádiz) en España.
Arcimboldo es algo mas que un artista de esos que no alcanzaría la vida para comprenderlos, para ahondar en su legado, que sobrepasa cualquier tipo de hipótesis, ¿Cómo fue que un plebeyo, un hombre cuyo único valor era su osadía, culminaría siendo consejero del emperador? en tiempos inhumanos y del todo siniestros, y cuya influencia en el destino de una corte, habla a las claras de su espíritu libre, que dejo los testimonios menos imaginados de un mundo de riqueza y poder que no podía sin embargo a diferencia de los tiempos actuales, subsistir sin gloria. Arcimboldo se ocupo de darle vida a la extravagancia, que rodeaba su existencia, entre miradas que se ocultaban bajo de deslumbrantes colores, pero que escondían el drama de la mayoría de los poderosos de todos los tiempos, lo que debe venderle al mundo y lo que en realidad son, el rostro de la felicidad y de la opulencia, detrás, demarcada van las líneas de la soledad y la tragedia…
Arcimboldo murió en Ibidem un 11 de julio de 1593, sin nada de aquello (la belleza extraordinaria de permanecer al lado del emperador y sus favores) que había alimentado su arte descomunal, en una habitación sin mayores lujos, aquel hombre que después el mundo se atrevería a juzgar como un insano, se iría sin responder sus secretos que sobrevuelan en sus obras, y que todavía abruman a los estudiosos de su destino que sueñan con sus revelaciones…

Jackson Pollock

Jackson Pollock. Una danza loca de colores

Su vida un tanto atormentada fue inspiración para hacer cine, un film que retrata casi a la perfección sus obsesiones y su legado. Que no se ha dicho o escrito sobre este artista que fue un desquiciado o un genio, pero que nunca se quedo en la indiferencia del público.
Claro que Jackson Pollock el más destacado artista del expresionismo abstracto es un personaje que no puede resumirse en unas pocas líneas.
Nació en Cody, Wyomming en 1912, estudio en el Instituto de Lenguajes Artísticos de Nueva York, allí tendrá por maestro nada menos que a Hart Benton (1889-1975) uno de los grandes artistas norteamericanos creador de las mas celebradas escenas rurales y costumbristas.
Mas tarde Pollock viajara por diferentes lugares de su país, tomando en agenda sus dibujos que salían de la inspiración de cada lugar, por cierto que hasta esta instancia Pollock seguía influenciado por su maestro así lo datan sus primeros trabajos que poseen un marcado estilo naturalista-realista de sucesos de la vida cotidiana de la ciudad. Hacia 1943 siente una atracción por el surrealismo y se vuelca a un estilo mas libre, y descontracturado, empieza a jugar con las formas, a dejarse llevar, arrastrar por una fuerza según lo confesaría el mismo, que no podía detener.
Es en 1947 cuando introduce en sus trabajos de grandes formatos el Dripping (goteo) técnica que consiste en salpicar el papel o la tela de forma semiautomática, remolinos, chorros, puntos, pinceladas y graffiti todo eso y mas, trabajo metiéndose en la obra, ocupándola, sitiándola, haciéndola suya como un territorio al cual solo él podía entrar y salir. Aclaremos que hasta la llegada de Pollock a la escena del arte internacional Estados Unidos iba perdiendo la batalla y gracias al artista del Action Paiting recupero su lugar en el gran mercado del arte mundial. Hablamos de la década del 50 cuando Pollock tiro los caballetes al diablo y decidió pintar con la tela o el papel en el piso librado de las mordazas de las influencias le dijo al mundo que no había arte sin libertad.
Mientras tanto el alcohol y su personalidad con un marcado tinte bipolar comenzaba a desandar un tiempo irrepetible. Sus críticos aseguran que nadie después de Pollock pudo crear ese universo fantástico, con tanta extraordinaria cantidad de formas y si los hubo solo fueron imitadores del artista. Era un virtuoso, construía y reconstruía los laberintos más esquivos de su mente. Se dice que más que pintar, coqueteaba, bailaba, con delicadeza, rápido, en otras con cierta cadencia que desesperaba, zigzagueante, y brutal como hechizado agachado arrojando largos hilos de pintura sobre el abismo blanco de la tela.
Posiblemente con Pollock el arte moderno alcanza su cima, entendiendo que en su trabajo no existe introspección sino un escaso reflejo de las ideas, de las represiones inconscientes, que se hacen presentes casi sin un sentido a más de su presencia que toman al espectador por asalto.
Casado con Lee Krasner en 1945 el artista logra evadir su gran debilidad por el alcohol y el pesimismo que lo embargaba. No obstante en un cruento otoño de 1950 volverá a beber y por ende a sus crisis que lo iran desbastando poco a poco.
Su único miedo era que el publico, la gente no pudiera comprender su decisión en cuanto al arte, que sus obras terminasen como un conjunto decorativo, eso lo desesperaba, porque en verdad había realizado una revolución, apenas sabia que había desbordado todos los conceptos habidos hasta entonces, a la vez que no podía con la realidad.
Obsesivo, intolerante, autodestructivo, Pollock fue nada más que el filtro de las presiones de una sociedad que se auto justificaba, los errores a la vez que todo se le escapaba de las manos.
La obra de Pollock, y no sus tantos imitadores, nos obliga a pensar en esa extraña simbología, en esas partes de palabras sueltas que se quedaban apretadas detrás de las texturas, como si fueran pesadas rejas, en ruinas. Sus obras son como un reflejo de una arritmia, de un corazón desarticulado que salta en el vació, Pollock no fue un genio del arte, sino un hombre con todas las luces cegadas por la monstruosidad de la urbe, que lo arrumba a vivir en el desvelo y la ansiedad como sometido por una enfermedad incurable del alma.
Murió a sus 44 años en un accidente de auto en Long Island, después de una de sus acostumbradas borracheras, desde entonces los ojos del mundo no han podido olvidar al hombre que creo un universo paralelo de mensajes que solo se entienden desde el juego lúdico, desde los laberintos de la inconciencia, donde los pensamientos son líneas que resplandecen en una danza indescifrable de colores que se disuelven y reaparecen y se mudan y regresan, pero como todo genio no bastaría una vida para describir su obra que cambio radilcamente la historia del arte de un soplido.

Una de las excentricas esculturas de Richard Serra, uno de los grandes escultores que ha dado EE.UU. dos planchas de acero de 160 toneladas, ubicadas verticalmente de forma perfecta,colocadas en un campus de La Universidad de San Francisco, los espectadores mientras tanto completan y le dan vida a sus colosales creaciones

Sobre Richard Serra. Solo un Juego de Palabras…

Sus esculturas no han dejado de impresionar al mundo ya por décadas, quizá a esta altura nadie puede negar su predominio en el mundo del arte internacional.
Richard Serra nació en San francisco, California en 1939, estudio primeramente literatura y mas tarde hacia los años 60, cursara la carrera de arte en la celebre Universidad de Yale. Sus primeros trabajos artísticos tenían que ver con lo meramente abstracto, arrojaba plomo fundido a cualquier superficie donde convocaba a su exposición. Lo que se conoce como Process Art o Arte en Proceso es decir una manifestación artística que se sucede como una performance, buscando más que el objeto final, la manera en que acontece ese hecho creativo. Más tarde se dará a conocer con sus grandes construcciones minimalistas, esto es un arte despojado de cualquier contexto y que refiere a lo esencial de la misma. Termino que fue utilizado por Richard Wollheim en 1965 para llamar de alguna manera a obras de un alto contenido intelectual, pero que en lo formal no deparaban una gran presencia.
Así sus inmensos rodillos y sus grandes hojas de acero ganaran espacio, que a principios de los años 80 posisionaran al artista en el mas que difícil y competitivo mercado del arte estadounidense, en todo esta década Serra, ubicara sus esculturas en paseos públicos de diferentes ciudades y poco a poco lograra que el publico no menos critico comience a pensar en sus trabajos. Es recordado su famoso Muro de Acero de 3 Mts. y medio que ubicara en el parque Federal de Nueva York y por el cual se crearía una vorágine de desencuentros entre los ciudadanos, de que esa obra fuera removida de allí, mientras otros opinaban que debía respetarse el hecho de que el escultor y el gobierno de la comuna hubieran elegido ese lugar para instalarlo. Debate que será resuelto tras casi una década y bajo una firme sentencia, de que la escultura debía ser removida, a lo cual el escultor aseguro que de ser quitada de allí ya no tenia razón de existir ese objeto. Otra de las famosas esculturas de Serra es la que esta ubica en la sala de más grande dimensión del Museo Guggenheim de Bilbao, Snake o Serpientes, que son tres hojas de acero, dando la sensación de un movimiento ondulante. Sin contar que también en el famoso Museo Reina Sofía también de España se exhibe a partir de 2009 en exposición permanente una de sus mas inmensas esculturas con un peso total de 36 toneladas llamada Equal – Parallel - Guernica – Bengasi.
Desde los años sesenta el artista a intentado escaparse de los conceptos culturales que han rodeado desde siempre su trabajo, buscando imprimir movimiento a los paneles acericos, dar vida a otras formas jamás imaginadas y hacer que el publico se conmueva a través del juego de escalas de cada uno de su trabajos, comenzó por cierto con obras que apenas podían contener las salas de las galerías o museos hasta que por su tamaño descomunal ganaron la calle y por ende la popularidad. Algunos críticos de arte lo enlazan directamente al Land Art, el arte que puede modificar un paisaje natural, y de hecho quizá este concepto no este errado del todo, Serra puede modificar sin dudas cualquier mirada que se tenga, pero dentro de una urbe, correr la identidad cultural de determinado escenario al aire libre y en ello modificar el pensamiento de quienes lo habitan.
Polémico, como pocos, en cada una de su declaraciones el artista ha dejado en claro que su arte no es para cualquiera, su arte asegura, establece una larga serie de prejuicios a desterrar y después quizá se pueda entrar en un debate, pero quizá lo mas controvertible que se atrevió a aseverar en una entrevista y por el cual seria denostado por la critica y los periodistas especializados, es de que su arte no es democrático, ni agradable, ni causa disfrute alguno, ni tampoco es del pueblo.
En 2005 llevaría adelante un gran proyecto escultórico que seria situado en el Campus de La Universidad de San Francisco, dos elevadas planchas de acero, con un peso total de más de 160 toneladas, equilibradas perfectamente. Lejos de provocar rechazo la instalación de la misma, causo una gran fascinación en amantes del arte de todo el mundo, que no pueden concebir la sensación visual que producen a la vez que meterse, caminar entre, las mismas, es decir tocarlas, y ser partes de esa sensación de algo que es único en el mundo entero. Serra es un critico mordaz del gobierno estadounidense y sobre todo de sus política exterior, cuando fue invitado especial a La Bienal de 2006 de su país, todos esperaban una de sus ya famosas esculturas, y él solo presento un boceto realizado con crayón, llamada Abu Ghraib, nombre de la prisión donde después de la invasión norteamericana a Irak es utilizada para detener y torturar a los opositores al nuevo régimen impuesto.
Aunque Richard Serra afirma que el arte no es para el pueblo, solo un muy buen juego de palabras puede crear un efecto contrario en el publico, su trabajo en realidad, su arte escalofriante y desmedido es disfrutado solo por la gente, aunque la pregunta de siempre del artista ha sido la misma, ¿De quien es el arte? ¿Del pueblo? ¿De los políticos? ¿Del artista?
Ha recibido una larga serie de distinciones a través de los años desde La Legión de Honor de Las Artes y Las Ciencias que otorga el pueblo francés a los mas grandes artistas del planeta, hasta el Príncipe de Asturias 2010 otorgado por los Reyes de España. Quizá no sea fácil entender el arte de Richard Serra, pero si entendemos la pasión de un artista por lo que hace será, mucho mas fácil, comprender cada una de sus creaciones, ese simple concepto es aplicable para saber porque hoy por hoy es el escultor vivo mas importante del mundo.

La Columna Rota (1944)

Frida Kahlo

Sobre Frida Kahlo. Como un libro abierto…

Su vida no fue mas que una larga serie de postraciones, desde que contrajera poliomielitis, a sus tres años, que tras superarla le dejaría las secuelas mas terribles para una mujer, ya que estéticamente luciría de por vida una pierna mas delgada, cosa por cierto que siempre había ocultado. En 1922 ingresara a la Preparatoria Nacional de La Capital, escuela que no recibía sino solo alumnos varones y que tras una modificatoria de sus disposiciones internas comenzaría a albergar tanto profesores, como alumnos de ambos sexos. Allí aprenderá algunas técnicas de dibujo y por este mismo tiempo conocerá al ya reconocido pintor muralista Diego Rivera (1886 – 1957). Ella desde muy pequeña poseía una rebeldía natural contra todo lo establecido, por disímiles razones, no creía en las pantallas sociales y veía detrás de lo meramente burgués que ese era solo un juego, un espejismo del cual no quería ser parte.
Se inscribirá hacia mediados de 1925 a las clases de Grabado que dictaba el artista español Fernando Fernández, pero en setiembre de ese año, sufrirá un terrible accidente que la dejara al borde de la muerte, con la columna y la pelvis fracturada y una agarradera de metal le atravesaría el estomago hasta la pelvis. Soportara poco mas de 30 operaciones y luego el uso de corsés para guiar las posible alteraciones óseas que pudieran surgir. Fue entonces tras meses de estar convaleciente en su cama, que comenzara a dibujar y a pintar, tantas eran sus ganas de hacerlo que eso le produce un estado superador en cuanto a su animo e increíblemente y ante la perplejidad de los médicos que no daban crédito de que pudiera mejorar, solo en algunos aspectos Frida se esforzó por volver a caminar y así lo hizo luego de prácticamente varios años. Ahí es cuando se introducirá a los círculos del arte mexicanos y hará amistad con algunos artistas de carácter socialistas. Comenzara o continuara un romance apasionado con Diego Rivera con el que contraerá matrimonio el 21 de agosto de 1929. Muchos de los críticos afirman que Frida y Diego solo estaban juntos por una cuestión artística, ella había aprendido casi todo lo que sabia de arte gracias a él, desde adoptar para sus obras un estilo digamos casi ingenuo, con colores chillones, dejando aletargados espacios entre las figuras y el ritmo atemporal de sus escenas, fue Rivera que le dijo que tenia que hacer hincapié en la afirmación de las tradiciones mexicanas, que vistiera a la usanza de su pueblo y que no retocara sus cejas pobladas, al contrario que estuviese orgullosa de lucirlas, porque eso la hacia autentica. Diego amaba su pintura, y no dudaba en decírselo era su admirador numero uno, mientras que ella, no le respondía de igual forma, criticaba hasta el insulto sus obras y no soportaba ser siempre su sombra como artista, odiaba el éxito de su esposo. En poco tiempo surgiría entre ambos una relación de amor y odio como pocas veces vista, donde no estaban exentos, las borracheras, los escándalos públicos y las traiciones que los hicieron mas celebres de lo que ni ellos mismos imaginaban.
Hacia los años 30 Diego Rivera se trasladaría a los Estados Unidos contratado para realizar diversos trabajos muralistas por grandes empresarios y coleccionistas de arte en Nueva York y otras ciudades, pero este hecho no detendrá, tanto las peleas del famoso matrimonio de artistas, ni las que el muralista mantendrá con sus empleadores, es muy conocido el desplante que le realizara en medio de la ejecución de uno de su murales a el dueño de la mas importante compañía petrolera del planeta y uno de los hombres mas poderosos del mundo de los negocios americanos, por aquel entonces Rockefeller que le había sugerido modificaciones en su trabajo.
Lejos de perjudicarle la carrera a Rivera aquello lo convirtió en una celebridad internacional.
El 9 de enero de 1937 gracias a la amistad de Diego Rivera y el presidente mexicano Lázaro Cárdenas, le concederá el asilo político a Lev Dadídovich Bronstein conocido en el mundo como León Trotski (1879 – 1940) el revolucionario y político ruso, que fue clave para lograr el golpe de estado de 1917 en la cual los Bolcheviques, encabezados por Lenin tomarían el poder en la hasta ese entonces Rusia de los zares. Creador del temible ejercito rojo, mas tarde se convertiría en opositor de Stalin el sucesor de Lenin y erigiría una organización internacional de extrema izquierda en la cual proponía una revolución permanente, en cualquier lugar del mundo donde el proletariado se viera amenazado. Elegirá la casa de los Rivera en Coyoacán para vivir su exilio de Rusia. Fueron dos años que junto a su esposa Natalia Sedova, Trotski se dedicaría a sentar la bases mediante sus escritos de su plan revolucionario, no tardarán en surgir rumores de la relaciones entre Frida y el revolucionario que había comenzado precisamente el día en que ella lo recibiera en el puerto de Tampico. En 1939 Trotski dejaría La Casa Azul y se mudaría allí mismo a la calle Viena en Coyoacán. Hubo allí un atentado encabezado por miembros del partido mexicano de Stalin, allí otro artista muralista David Alfaro Siqueiros, comandaba la operación junto a otros 20 criminales y como él mismo confesaría mas tarde había disparado mas de 40 proyectiles en el lugar donde dormía Trotski; esto fue previo al fatídico 20 de agosto de 1940 donde seria asesinado, por Ramón Mercader un Catalán que había ganadose junto a su madre la amistad del revolucionario. Todo lo que hubo de pasar según las investigaciones posteriores, daba como resultado una pista que implicada también a Frida por espionaje para atentar contra la vida de Trotski por lo cual seria detenida y liberada de culpa y cargo, tiempo después.
Es por esta época, ya divorciada de Diego Rivera que las Muestras de Frida comienzan a dejar su huella mas profunda, su amigo el creador del movimiento surrealista André Breton (1896 – 1966) le abrirá las puertas de Europa pero errara en sus conceptos acerca de la obra de la artista, ya que Frida no pinta sueños, sino su realidad, ella misma se encargara de afirmarlo, sus obras expresan netamente sus estados emocionales, sus dolorosos trances llevados como una pesada carga durante toda su vida, el hecho de no poder tener hijos debido a su grave accidente y los punzantes padecimientos y secuelas que no le abandonan.
Pero su sinceridad exacerbada y su personalidad frontal, la convierten en un personaje, al fin Frida se había metido al mundo en el bolsillo. En los años 40 será docente en la Escuela Esmeralda en el DF. Es 1953 que tras saber de sus problemas de salud la Galería de Arte Contemporáneo, la mas importante de la ciudad, organizara una de las mas recordadas Muestras de la gran artista mexicana, donde llegara en una ambulancia porque ya no podía estar de pie y tras colocarla en su cama de hospital en el centro de la galería, ella recibirá ahí mismo los saludos del publico con el mejor de los ánimos.
En el año siguiente solo fueron malas noticias acerca de su salud, que desmejoraba irremediablemente, tras serle amputada parte de una pierna, sufrirá una gran depresión que le llevaran a varios intentos de suicidio hasta ese 13 de julio de 1954 la fecha de su fallecimiento. No hubo autopsia, entonces se conjeturarán todas las hipótesis posibles de la verdad de su muerte ¿vencida por el dolor o provocada? eso nunca lo sabremos lo cierto es que con Frida Kahlo desaparecía la mas grande de las artistas plásticas latinoamericanas del siglo XX, quizá la excusa de Frida había sido llevar al arte sus sentimientos, dejando a su vez expuesta toda su vida como un libro abierto donde nos podemos encontrar con las mas profundas emociones que el arte dejo entrever por siglos.

El Beso de Los Amantes

René Magritte

Sobre René Magritte. Ese Obstinado pintor de ilusiones

Tenia apenas trece años cuando un día de marzo de 1912 vio como sacaban a su madre ahogada de las profusas aguas del río Sambre, impasible, callado, con la mirada fija y perdida a la vez, prefirió creer que solo se trataba de una escena que su imaginación había inventado, era la única manera de enfrentar la vida, -pensó-creer que la realidad poseía su espejo como si se tratase de una dimensión, que uno podía llegar a percibir sin que por ello fuese la sola verdad.
René Magritte nació en Lessines, Bélgica en 1898 nada se sabe de la vida de Magritte en sus primeros años, solo que ayudaba a su padre Leopold en el taller de sastrería, quizá allí –según sus biógrafos-descubrirá la gama de colores en los hilos y la variedad de telas que éste, comercializaba, colores que mas tarde tomaran su atención por completo.
Unos años antes del suicidio de su madre, René había emprendido sus clases de dibujo en una escuela, la única de su pueblo, pero recién a sus 27 años comenzara a realizar sus primeras obras de neto corte impresionista, mientras que continuara sus estudios en La Academia de Bellas Artes de Bruselas y es en esta ciudad donde expondrá por primera vez en las galerías del Centro de Arte de Bruselas, junto a Pierre Louis Flouquet (1900 -1967) con quien compartía taller y sueños.
Mas tarde en ese mismo año se atreverá a una exposición colectiva con otros artistas, de diferentes lugares de Europa. Su arte ya expresa cuestiones que hacen al hombre moderno y sus devenires, el uso de los colores intensos, al igual que una constante búsqueda de lo tridimensional en su obras provocan en los críticos ciertos interrogantes pero son claras sus influencias del cubismo y el futurismo, sin embargo es por este lapso que descubre el arte de Giorgio De Chirico (1888 – 1978) el fundador del movimiento Escuela Metafísica.
Aquí en este instante si, podríamos decir que Magritte se convierte en un artista del surrealismo y con ello el misterio, la danza de las sinrazones, los alocados vaivenes de las escenas que solo existen en su mente y que terminaran por conmover al mundo.
Hacia finales de 1930 vivirá y trabajara en Paris y será parte del movimiento surrealista que dominaba la escena del arte y que no dejaba de ser provocador, compartirá taller, salidas y charlas, con Salvador Dalí, Joan Miró, y el escultor, poeta y pintor franco- alemán Jean Arp y claro esta el creador del movimiento André Breton, sin embargo la llegada de Magritte al grupo producirá un resurgimiento del arte surrealista que comenzaba a declinar, pero serán solo tres años donde las rencillas con el grupo de artistas no tardaran en aparecer, Dalí poco menos que intolerante dirá que su arte es mas importante que los postulados del grupo y su presencia en el mismo es quien provocaba el reconocimiento de dicho grupo, será quien dará el portazo y al tiempo Magritte decidirá volver a Bruselas.
Se dedicara a intentar resolver los problemas tempo-espaciales que surgían en sus obras, la relación entre léxico, objeto material, e imagen hasta donde las mismas estaban sujetas por finos hilos, es decir la realidad ajustada a un punto de la escena y como a su vez esa escena de ser ilusoria provocaba variables interpretativas.
Será en 1936 que confirma que su arte había trascendido las fronteras de Europa, lo invitan a exponer en una importante galería en la ciudad de Nueva York y en ese mismo año formara parte de la muestra que el MOMA el Museo de Arte Moderno de Nueva York le dedicara al arte fantástico. Pero ese es el principio del éxito que aun le esperaba en las próximas décadas donde no faltaran los encargos y las exposiciones, tanto en Ginebra, Paris, Bruselas, y algunas ciudades de Estados Unidos.
Su estilo nunca dejara de ser el mismo, esas alegorías de la dualidad, la inteligencia refinada para ironizar sobre cuestiones del hombre sujeto a realidades extremas que pueden inducir un largo abanico de respuestas, sus juegos aletargados entre ilusión y medio, solo hacia finales de los años 50 Magritte hará un breve retorno al arte impresionista que la critica especializada se encargaría de denostar por tanto tiempo y sin embargo esta etapa no ha dejado de ser estudiada por los investigadores de su vida y de su obra, cercano al fauvismo, en una especie de implosión de colores primarios que legaran al mundo algunas de sus obras mas admiradas.
En 1965 Magritte viajara a Nueva York a una de las primeras retrospectivas de su obra, en el Museo de Arte Moderno, allí la prensa de todo el mundo se agolparía frenéticamente por lograr una palabra, una fotografía del artista, no obstante hay algo en su mirada que deja entrever que eso de la popularidad no le sienta bien, se siente cansado, extenuado, para él tener éxito significaba arribar al final de una meseta, y en la cima el viento cruje fuerte en los oídos.
La ultima de sus muestras es en agosto en Róterdam una preciosa ciudad de los Países Bajos, allí el éxito de La Muestra es absoluto, Magritte a pocos días ya esta en Bruselas, algunos de sus biógrafos aseguran que se lo nota ausente, triste, a tal punto que ha dejado de pintar, dicen que su solitaria obsesión por el alcohol para olvidar la horrendo escena de su madre ahogada, no puede sacársela de la cabeza, hasta que la noticia que le había ocultado a todo el mundo no tarda en ganar estado publico, el cáncer de páncreas se esta llevando todas su fuerzas, es un día cualquiera un 15 de agosto de 1967, Magritte ha dejado de existir…
Un titular de un periódico de la época lo dice todo: Magritte, el obstinado pintor de ilusiones ya no esta entre nosotros…ahora el mundo será un poco más gris…

Muerte en la Habitación del Enfermo
Edvard Munch
Oleo S/Carton
Galeria Nacional de Oslo- Noruega

Sobre Edvard Munch. Las fauces de la Soledad…

Sentía que el mundo apagaba sus luces muy lentamente, la casa estaba en semipenumbras y en una de las habitaciones su madre agonizaba, no querían que él la viera, y fue para un niño, pasar de los juegos inocentes a la cruenta realidad, de un minuto a otro, algo que dejaría sus huellas para siempre y que el artista intentaría una y otra vez como en una lucha sin fin exorcizar de su vida. Como se hace para luchar contra la ausencia, contra el dolor, contra el amor que lleva apenas un corazón de unos pocos años por alguien que significaba todo para él, desde aquel entonces la soledad lo seguirá como su sombra sin poder hacer nada, a mas de soportar entre pesadillas y sueños su destino.
Edvard Munch, nació un 12 de diciembre de 1863, pintor expresionista creador de una de las obras más emblemáticas de la historia del arte El Grito, que se haya realizado hasta la fecha, que describe la angustia existencial del hombre moderno, que abarca todo una época marcada por tragedias, guerras y desolación.
Munch intentaba dilucidar lo que estaba muy profundamente en su alma, su difícil infancia donde había visto morir a su madre y a su hermana de tuberculosis y una complicada relación con su padre de carácter dominante e implacable, con profundas convicciones religiosas, lo convierten en un niño introvertido que no podía ajustarse a las normas establecidas.
Hacia 1880 ya había abandonado su carrera de ingeniería para dedicarse al arte. Viajara a Paris, el centro del arte mundial por aquel entonces y allí se introducirá en los movimientos artísticos que se adelantaban a cualquier conjetura. Anonado y seducido por la vida y la obra de Paul Gauguin(1848 -1903) en primera instancia se deja llevar por ese torbellino, pero mas tarde dominara sus ímpetus, creando un arte totalmente personal, ahondando en el carácter simbólico del color y resaltando las líneas de sus tan originales trabajos.
En su primera exposición individual presentara mas de 100 de sus obras con las cuales causara un verdadero revuelo en la sociedad pacata de fines de 1800 pero esa conmoción mas tarde en 1890 lo harán acreedor de una beca estatal, es por este lapso que el artista se abocara a pintar algunas de las mas intimas escenas personales, como confrontando con sus propios temores y demonios, allí saldrán a luz el drama de su madre en el lecho de muerte, también el cruento destino de su hermana, Sofhie y todos los temas que prácticamente serán el eje central de toda su obra: la angustia, el dolor, la muerte, la desesperación…
-Paseaba por un sendero con dos amigos - el sol se puso - de repente el cielo se tiñó de rojo sangre, me detuve y me apoyé en una valla muerto de cansancio - sangre y lenguas de fuego acechaban sobre el azul oscuro del fiordo y de la ciudad - mis amigos continuaron y yo me quedé quieto, temblando de ansiedad, sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza...-dirá el artista en cuanto a su obra mas famosa El Grito que precisamente data 1893
Las palabras son más que claras y hablan de la angustia de vivir, de eso que no puede controlarse con nada, con ningún tratamiento, ni píldora mágica, y que el famoso filosofo Kierkergaard (1813-1855) llamaría - la enfermedad del alma del hombre porvenir.
Es hacia 1900 que terminara su serie – Friso de La Vida- donde hace un recorrido por sus mas traumáticas obsesiones, el amor, los celos, la traición, la soledad, el despertar sexual, la melancolía, a la vez que realiza retratos quizá uno de los mas conocidos sea el que hizo del poeta y filosofo Friedrich Nietzsche (1844-1900) y paisajes que le devolvían al espectador la exuberante belleza de las campiñas. Hasta tanto sus muestras se multiplicaban en Berlín, Paris, Hamburgo, Estocolmo el éxito comienza a golpear su puerta, pero no puede dar batalla a la adicción al alcohol que lo abruma y a los terribles mareos, dolores de cabeza insoportables, y una sensación de abatimiento constante tras el mínimo esfuerzo, pero son tantos los encargos que no puede detener el ritmo de trabajo, hasta la primavera de 1908 donde sufrirá un colapso nervioso que lo dejara al borde la muerte. Se recuperara y volverá a pintar sin descanso por mas de una década, es cuando comienzan a lloverle los reconocimientos. Pero reaparecen los síntomas de su enfermedad. Se siente apesadumbrado y decide retirarse por un tiempo, a mas de sus achaques habiase sumado ahora un problema en la vista que no le dejaba ya concentrar la mirada. Con la llegada de Hitler al poder, el nazismo terminara de abofetear su trabajo de toda una vida como artista, retirando todas sus obras vendidas a los museos alemanes, pues el régimen lo consideraba un demente que practicaba un arte degenerado. Hacia 1940 toda su obra también será retirada de las galerías de las ciudades donde el poder del Nacional Socialismo invadía.
Con la llegada de la 2da guerra Munch por primera vez expondrá su obra en Nueva York tiene casi 80 años y si apenas puede caminar, su escasa visión, su alergia que no le deja respirar y sus huesos desoldados y cansados.
Volverá a Noruega en sus últimos años y allí pasara horas sentado en su casa – taller aferrado a sus pinceles ya sin colores, que se le caían de las manos y que buscaba desesperado por el suelo, como si con ello pudiera enmendar su espantosa angustia, se incorporaba tiritando y de nuevo ocupaba su sillón hasta dormirse, junto a esa especie de maldición que desde siempre lo seguía, quizá pocos imaginen todo el dolor que Munch debio atravesar en sus últimos días, batallando con la misma sombra que nunca se había apartado de su lado, esa que no reconoce status, ni nombres celebres, ni razones, hasta que lo encontraron arrojado a las fauces de la soledad, la muerte… un 23 de enero de 1944. Tras de si había dejado mas de 1.000 óleos, mas de 15.000 grabados, y mucho mas de 4.000 dibujos y acuarelas que son hoy en día los cimientos del Museo Munch en Oslo, Noruega.

La Remendadora (1891)

Edouard Vuillard

Sobre Edouard Vuillard: Desde la belleza más profunda…

Edouard Vuillard fue el hijo de una humilde costurera, sola y enferma, nada de su entorno hacia prever su inclinación por la pintura, pero eso no le impidió quedarse entre los salmos más esplendorosos de la historia del arte.
Sus intimistas paisajes de la cotidianeidad nos recuerdan las escenas de una realidad no menos difícil pero tan bella que no alcanzaría la vida para intentar comprender la visión de su creatividad que lejos de quedarse aislada, trascendió todas las fronteras y ese pintor que a determinado momento huía de las gentes, introvertido a mas no poder, con una madurez impropia para su edad construyo su propio mundo que si apenas puede encasillarse quizá sea dentro de un movimiento, el del simbolismo no obstante es fácil pensar que en su arte respiraba todavía cierta reminiscencia del puro impresionismo, época que hizo regresar a cuestas de su soledad y a puertas cerradas sin imaginar que seria el mas retraído y meditabundo de los artistas dueño de un estilo tan personal como conmovedor.
Vuillard nació en 1868 en Cuiseaux, (Valle del Loira) Francia, a los nueve años junto a su familia se traslada a Paris y allí despertara al arte.
A los diecinueve años renuncia a la carrera militar para dedicarse a la pintura. Estudia en la Academia Julian, donde se hará de grandes amigos, más que de conocimientos. Hacia 1889 se unirá al grupo de Los Nabis, artistas que buscaban renovar el panorama artístico siguiendo algunos postulados de Gauguin (1848 – 1903) es aquí cuando el artista francés realizara algunas de sus mejores obras donde el simbolismo cobra vida. Mas tarde trabajara estrechamente en el decorado, diseño de vestuario e ilustraciones de los programas del Teatre de L’Art y el de L’Oeuvre que presentaban obras teatrales del gran dramaturgo noruego Henrik Ibsen (1828 – 1906) creador del drama moderno.
Su amigo el escritor Poul Veber lo introduce a la Revue Blanche, periódico que marco una época haciendo un compendio de todo lo mejor del arte y la cultura europea de 1889 hasta 1903; por este lapso participa junto a otros artistas del grupo en una exposición en Paris. En el mismo año en otra de sus exposiciones conocerá a dos de los poetas franceses, mas universales Poul Verlaine (1844 -1896) conocido como el príncipe de los poetas, éste creara una impresión tan grande en él que al igual que Mallarmé (1842 – 1898) al invitarlo los martes a la noche a su casa donde se daban cita la gran mayoría de los artistas y músicos de este tiempo para celebrar reuniones literarias, desatara en el artista un profundo acercamiento a la poética simbolista de ambos, no hay que olvidar que el simbolismo (reacción contra el materialismo de la era industrial) en el arte pictórico estuvo precedido por el simbolismo literario, de ahí que Vuillard se sintiera tan atraído, como dato aleatorio Claude Debussy (1862 – 1918) el músico mas influyente del siglo XIX también fue inspirado por los escritos de Mallarmé para crear algunas de sus composiciones.
Los Nabis proponían llevar el concepto artístico a objetos de la vida cotidiana, así Vuillard desarrolla para Tiffany´s diseños únicos para su cristalería, mientras trabaja en residencias privadas realizando murales con influencias del arte japonés. Hacia 1900 y tras disolverse el grupo de los Nabis, y la caída del periódico Revue Blanche que proponía un estilo de vida diferente y distinguido. El artista comienza a trabajar para una de las galerías de arte mas importantes de Paris, pero de neto corte impresionista, le proponen exposiciones periódicas y tras el reencuentro con Renoir y Monet, sentirá de nuevo el entusiasmo y estallara un periodo donde el público se asomara azorado a su arte. Desde 1925 realizara por espacio de 15 años una importante serie de retratos de la aristocracia francesa, como nadie de su tiempo siendo testigo de la sociedad de entreguerras. Huirá en 1940 de la invasión de los nazis, pero fallece en las costas de Bretaña en ese mismo año.
Nada atrapa mas de las obras de Vuillard que las que le dedico a su madre, la anciana costurera trabajando en su taller en días indiferentes, en un almuerzo cualquiera, junto a una ventana dormitando en su sillón hamaca con un trozo de tela en su regazo que a veces parecen nubes a punto de volarse de sus manos o remiendos de un cielo vaporoso, todo bajo un sopor de ensueño, con el tratamiento perfecto de la luz modelando su rostro herido por el tiempo y en ella brindo un homenaje universal a la mujer, a las madres que desde un oficio modesto, le dedican su vida a sus hijos sin pedirles nada cambio. Vuillard no fue uno mas de un grupo de artistas del simbolismo que pretendían otro destino, había algo mas en él que se avista cuando dedica todo su esfuerzo para plasmar imágenes de entrecasa, ahí donde no hay lugar para fingir una sonrisa, ahí donde en el instante menos esperado la soledad se hace presente sin remedos, donde se sufre o se disfruta sin simulaciones, donde nadie puede ver cuan frágil es el hombre, con su semblante y sus huesos deshechos, donde somos nosotros mismos, con el alma saliéndose por los poros de una espera o un atisbo imposible. Vuillard nos demuestra que también es un soñador perdido que esta intentado detener los años, los días, las horas que van llevándose todo lo que amaba, pero siempre desde la belleza mas profunda e irrepetible.

Autorretrato

Resina, fibra de vidrio, silicona
Ron Mueck